El claqué, al igual que el jazz, representa una contribución única de Estados Unidos a las artes escénicas. Sus raíces se remontan a las antiguas tradiciones de tierras tribales tropicales y templadas, pero su staccato rítmico y estilo son enteramente estadounidenses. Desde el oeste de Irlanda hasta las Indias Occidentales y los salones de baile de la Nueva York colonial, el tamborileo de pies ha marcado una historia viva y en constante evolución.
Una línea de tiempo del claqué
La sutil percusión de pies europeos y africanos resuena a través de la colonización brutal de las Américas, las guerras fundacionales, caminos rurales y escenarios de madera, imágenes desvaídas del celuloide y el pulso de un flashmob moderno. El claqué es una forma de baile joven con raíces ancestrales: un arte histórico forjado por fusiones y figuras legendarias.
1600
En la década de 1600, sirvientes irlandeses indentados llegaron a las colonias para servir a familias británicas, mientras africanos eran esclavizados en plantaciones del Caribe y el continente. Sus vidas eran duras, pero su espíritu indomable preservó el baile estilizado y zapateado como herencia cultural. Estos bailes no necesitaban música: el sonido de los pies era la melodía, tan esencial como el movimiento para expresar emociones y narrar historias.
1800
Con el tiempo, ambos estilos rítmicos se fusionaron. A mediados del siglo XIX, estos movimientos híbridos aparecieron en salones de baile. Zapatos de madera amplificaron el sonido, cautivando al público. William Henry Lane, conocido como Master Juba, rompió barreras raciales a fines de siglo, actuando con blancos en una industria segregada. (El término 'Juba', también nombre de una danza esclava para comunicarse como tambores tribales mediante pisotones, bofetadas y palmadas, fue precursor del claqué refinado de los minstrels.)
1900
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En 1902, Ned Wayburn's Minstrel Misses introdujo "Tap and Step dance", un estilo sincopado en zuecos con suelas de madera partidas: la primera mención de 'tap' y base de los zapatos modernos con taps de aluminio en talón y punta. - El "Buck and Wing" del vodevil y minstrels del XIX dio forma al paso de tiempo rítmico. El shim-sham, con pasos libres, surgió entonces y persiste en clases de claqué.
- En 1907, Flo Ziegfeld incluyó 50 bailarines de claqué en sus Ziegfeld Follies, impulsando el arte con figuras como Fred Astaire y creando un público masivo.
- De 1920 a 1930, el claqué invadió cines, clubes, Broadway y vodevil.
- Bill "Bojangles" Robinson conquistó al público hasta mediados de siglo con su elegante "Stair Dance" de 1918, brillando en Broadway y Hollywood junto a Shirley Temple, inspirando generaciones.
- Fred Astaire, Donald O'Connor, Ginger Rogers, Eleanor Powell, Ann Miller, Gene Kelly y Sammy Davis Jr. dominaron de 1930 a 1950 con claqué teatral, fusionando jazz, ballet y salón en rutinas cautivadoras.
- En los 50, el rock 'n' roll eclipsó el swing; el ballet y jazz ganaron terreno, y el claqué decayó temporalmente.
- En 1978, Gregory Hines, apadrinado por maestros clásicos, fue nominado al Tony por Eubie!, reviviendo el claqué. Brilló en Broadway, cine (White Nights con Baryshnikov, 1985) y mentorizó a Savion Glover.
- Savion Glover, prodigio con técnica 'hitting' contundente, estudió con Hines y Davis Jr., protagonizó Jelly's Last Jam, coreografió Bring in 'Da Noise, Bring in 'Da Funk (4 Tony) y al pingüino de Happy Feet.
El claqué actual: dos estilos principales
Glover representa el claqué rítmico, creando música con los pies. El teatral es de 'cuerpo entero', visto en Broadway o clásicos con Gene Kelly salpicando charcos y Ginger Rogers siguiendo a Fred Astaire de talones para atrás. Ambos estilos fusionan tradiciones irlandesas y africanas, enriqueciendo el mundo de la danza contemporánea.