La película de Georges Méliès de 1902 "Le Voyage Dans la Lune" presenta algunos de los primeros efectos especiales jamás capturados en una película . Desde los albores de las imágenes en movimiento a fines del siglo XIX, los cineastas han estado experimentando con formas de hacer que las películas sean más emocionantes. El pionero del cine Georges Méliès usó todo tipo de trucos de cámara para crear cortometrajes como "Un Homme de Tête" de 1898, donde el personaje interpretado por Méliès se quitaba la cabeza repetidamente y ponía cada cabeza sobre una mesa, o "Le Voyage Dans la Lune", donde envió hombres a la luna con cara de pastel en un cohete con forma de bala.
Algunos artistas recurrieron a la animación para crear historias y situaciones fantásticas en el cine. Los dibujos animados completamente animados han existido desde 1908, cuando el artista de tiras cómicas Émile Cohl dibujó y filmó cientos de dibujos simples a mano para hacer el cortometraje "Fantasmagorie". Otros siguieron su ejemplo, incluido Winsor McCay con "Gertie the Dinosaur" en 1914, que involucró miles de fotogramas y fue más larga, fluida y realista que la mayoría de los dibujos animados de la época. La mayoría tendía a ser un poco rudo y brusco.
Junto con el impulso de crear efectos nuevos y fantásticos para asombrar y entretener, ha habido una búsqueda paralela y aparentemente (pero no realmente) paradójica del realismo para hacer que las películas sean más creíbles. Algunos creadores también se esfuerzan por aumentar el nivel de realismo en los dibujos animados. Una parte de la tecnología para animar movimientos realistas es la rotoscopia, y se desarrolló hace casi exactamente 100 años.
La rotoscopia requiere pasos y equipos relativamente simples, aunque lentos. En su forma más básica, se trata de tomar imágenes de películas de actores en vivo u otros objetos en movimiento y trazarlas cuadro por cuadro para crear una animación. Sin embargo, la rotoscopia también se puede utilizar para ejecutar efectos especiales compuestos en películas de acción en vivo.
En algunos círculos, la rotoscopia de dibujos animados tiene una mala reputación como un truco distinto de la animación "real" dibujada desde cero, y el arte generado por computadora ha tomado el lugar de muchos de los métodos más antiguos. Pero la rotoscopia sigue siendo una herramienta potencialmente útil en el arsenal del animador o cineasta.
Contenido- Los orígenes de la rotoscopia
- Rotoscopia en otras animaciones
- Rotoscopia de la vieja escuela de efectos especiales
- Nuevas herramientas de rotoscopia
- Colocación de colores frente a rotoscopia
- Captura de movimiento frente a rotoscopia
- El presente y el futuro de la rotoscopia
Los orígenes de la rotoscopia
Uno de los dibujos de solicitud de patente de rotoscopio de Max Fleischer El artista y entusiasta de la tecnología Max Fleischer era el editor de arte de Popular Science Monthly cuando se le ocurrió la idea de la rotoscopia, con el objetivo de crear un movimiento más fluido y realista en los dibujos animados. Reclutó la ayuda de sus muchos hermanos talentosos (Dave, Joe, Lou y Charlie) para desarrollar y probar lo que se convertiría en un dispositivo rotoscopio. Max presentó una patente para el proceso y el mecanismo relacionado en 1915, que se concedió en 1917.
El proceso de rotoscopia requería comenzar con material de archivo. Para el primer intento de los Fleischer, subieron al techo de un edificio de apartamentos, con un proyector de manivela que habían convertido en una cámara de cine, y filmaron más de un minuto de imágenes de prueba de Dave disfrazado de payaso (cosido por su madre). ). Una vez que se realizó y reveló ese metraje, se usó el mecanismo de rotoscopio que habían ensamblado para proyectar la película cuadro por cuadro a través de un panel de vidrio en una mesa de arte. Max colocaría papel de calco sobre el otro lado del panel de vidrio y trazaría sobre la imagen fija. Cuando terminaba, movía la película al siguiente cuadro y comenzaba un nuevo dibujo sobre la siguiente imagen. La patente mencionaba un posible mecanismo que permitía al artista pasar al siguiente cuadro tirando de una cuerda desde su posición actual.
Una vez dibujadas todas las imágenes, era necesario fotografiarlas una por una. Para su prueba de metraje de payaso, Max usó el proyector como una cámara una vez más, esta vez exponiendo cada imagen dibujada a un cuadro de película quitando y reemplazando manualmente la tapa de la lente durante el tiempo justo, y luego incrementando la película. Revelaron la película, la reprodujeron con el proyector y descubrieron que el proceso había funcionado. Y nació el payaso animado, que más tarde se llamaría Koko.
Max pasó a animar, y su hermano Dave a dirigir, muchos dibujos animados exitosos, comenzando alrededor de 1919 con la serie "Out of the Inkwell" con Koko the Clown. Sus trabajos posteriores incluyeron a los personajes icónicos Betty Boop y Popeye en la década de 1930 y los famosos cortometrajes realistas (y caros de producir) de "Superman" en la década de 1940. La rotoscopia se usó en diversos grados en todos ellos para producir un movimiento de personajes realista y, al mismo tiempo, permitir la creatividad y la exageración que hace posible la animación.
Tres dibujos animados de Betty Boop ("Minnie the Moocher", "El viejo de la montaña" y "Blancanieves") incluso incorporaron imágenes rotoscópicas de Cab Calloway como personajes diferentes. Los dos primeros también se abrieron con una película de acción en vivo de Cab Calloway y su orquesta, y "Minnie the Moocher" incluye las primeras imágenes conocidas de Cab Calloway actuando [fuente:Fleischer Studios].
Fleischer también empleó la técnica en "Los viajes de Gulliver", que se estrenó en 1939, convirtiéndose en el segundo largometraje de animación producido en EE. UU.
Rotoscopia en otras animaciones
Un animador de Disney trabajando en una secuencia de movimiento de personajes para "Blancanieves y los siete enanitos" alrededor de 1936. El primer largometraje de animación estadounidense fue "Blancanieves y los siete enanitos" de Disney. Antes de que se animara, se tomaron imágenes de referencia de actores actuando en estudios rudimentarios disfrazados, incluida la joven bailarina Marjorie Celeste Belcher (más tarde conocida como Marge Champion) como Blancanieves, el bailarín Louis Hightower como el Príncipe, los cómics Eddie Collins y Billy House como Dopey and Doc y el actor Don Brodie como la reina disfrazada. Luego, rotoscopiaron fotogramas clave al principio y al final de las acciones de los personajes y los animadores elaboraron los personajes y el escenario y crearon todas las tomas intermedias en celdas de animación transparentes.
La técnica también se usó en "Peter Pan" con imágenes de varios actores, incluidos Hans Conried como el Sr. Darling y el Capitán Garfio, Buddy Ebsen como un pirata, el bailarín Roland Dupree como Peter Pan y Margaret Kerry como Tinker Bell. También se empleó en otras películas de Disney.
Aunque se le dio un buen uso, la rotoscopia no siempre fue bien recibida. Como mencionamos anteriormente, algunos lo consideraron un truco o un atajo, y otros se quejaron de que los personajes modelados en actores reales diferían en apariencia y movimiento de otros personajes en movimiento, como los animales animados tradicionalmente. Disney incluso trató de ocultar el uso de la rotoscopia en "Blancanieves y los siete enanitos" hasta cierto punto. En la premier, sentaron a Belcher en el balcón lejos de la multitud y le dijeron que no hablara sobre su papel en la película. Aparentemente, no sabía que las imágenes que se le tomaron fueron rotoscópicas, y se enteró del proceso décadas después cuando visitó una exhibición de Disney sobre la película. Independientemente de las técnicas que se emplearon para hacerla, la película fue sin duda una obra maestra de la animación y se ha convertido en un clásico.
Y estuvo lejos de ser la última caricatura en usar la técnica. Algunos han utilizado una rotoscopia mucho más pesada, lo que ha dado como resultado películas que parecen imágenes de películas que han sido pintadas. El segmento "Lucy in the Sky with Diamonds" de "Yellow Submarine" de los Beatles (1968) incluía algunos rotoscopia obvios. Y el animador Ralph Bakshi empleó la técnica en varias películas, incluidas "Wizards" (1977), "The Lord of the Rings" (1978), "American Pop" (1981), "Fire and Ice" (1983) y "Cool World". (1992). Según los informes, Columbia Pictures restó importancia al uso de la rotoscopia en "American Pop" tras su lanzamiento.
El video de A-Ha para su canción "Take On Me" en 1985 también usó la rotoscopia con un efecto memorable, mostrando alternativamente a personas en imágenes de acción en vivo y dibujos animados de cómics incompletos. Ese mismo año, se usó en el video "What You Need" de INXS para agregar animación y efectos de color.
Más recientemente, las películas de Richard Linklater "Waking Life" (2001) y "A Scanner Darkly" (2006) fueron filmadas con actores en vivo y convertidas en animaciones usando un proceso llamado rotoscopia interpolada. Muchos animadores trabajaron en las películas, pero para acelerar el proceso y crear un resultado uniforme, se utilizó un software creado por el estudiante de posgrado del MIT Bob Sabiston que interpoló las imágenes para los fotogramas entre los fotogramas clave rotoscópicos.
Los animadores también utilizan el proceso para aprender cómo animar el movimiento desde cero. Pero no es solo una herramienta de animación. La rotoscopia también se usa en películas de acción real.
Rotoscopia de la vieja escuela de efectos especiales
Las brillantes hojas de sable de luz en las películas de "Star Wars" se lograron con rotoscopia. La rotoscopia no es solo para hacer películas animadas. Se usó para agregar efectos especiales a la película de Alfred Hitchcock de 1963 "Los pájaros", para colocar todas las hojas de sables de luz brillantes en las películas originales de la trilogía de "Star Wars" y para agregar efectos a muchas otras películas.
En los días de las películas filmadas y editadas en película real, la rotoscopia se usaba a veces para pintar efectos especiales en celdas de animación sobre metraje de acción en vivo, pero también se usaba para crear mates (o máscaras) para permitir a los cineastas combinar elementos de uno filmado. escena con elementos de otra escena filmada completamente diferente. Es posible que un cineasta desee superponer imágenes de una persona en un estudio de sonido sobre imágenes del fondo de una ubicación, como el océano o el espacio exterior o frente a una explosión. Esta combinación de imágenes o efectos que inicialmente no se filmaron juntos en un cuadro de película se denomina composición.
Este tipo de rotoscopia era una tarea que requería mucho tiempo y, al igual que su equivalente en animación, implicaba proyectar cada cuadro de película en una placa de vidrio y rastrear manualmente los elementos cuadro por cuadro. Un animador o artista de efectos especiales rastrearía cualquier elemento que necesitara aislarse en una celda transparente. Los elementos trazados se rellenarían con pintura para crear mates que podrían colocarse encima de otro marco (como imágenes del fondo deseado) para bloquear efectivamente esa área en el marco y dejar un lugar para el efecto de primer plano.
El proceso implicaría a menudo la creación de varios rollos de película, por ejemplo, las tomas originales de la imagen de primer plano y de fondo, la película de los mates oscurecidos y la película de una versión negativa de los mates con el fondo oscurecido. Un nuevo carrete de película se expondría varias veces para combinar todos los elementos. La imagen de fondo se expondría a la película con el mate negro delante, y el elemento de primer plano se expondría al mismo fotograma de la película con la versión negativa del mate delante para exponer el elemento de primer plano a la película. en el lugar que le quedó en la primera exposición. De esta manera, los mates rotoscópicos se utilizaron para combinar el elemento de primer plano y el fondo en cada fotograma de la película.
Tomó mucho trabajo hacerlo bien. La película típica de 35 milímetros se proyecta a una velocidad de 24 fotogramas por segundo, lo que se traduce en 1440 fotogramas por minuto, por lo que habría que pintar mates para decenas, cientos o incluso miles de fotogramas. En una sola toma de acción, los elementos en movimiento cambian un poco de posición en cada cuadro subsiguiente (un mate que cambia de posición y forma de un cuadro a otro se llama un mate móvil). Puede complicarse aún más cuando varias cosas interactúan y se superponen en la pantalla, lo que requiere varios mates por cuadro.
No solo hubo muchos marcos involucrados, sino que los contornos y los mates pintados para cada uno debían ser meticulosos, la iluminación tenía que coincidir (o coincidir más tarde a través de la corrección de color) y todos los elementos físicos (los mates, la película y equipo) tenían que alinearse exactamente o los resultados se moverían de manera extraña o se verían fuera de lugar.
Pero cuando se hace bien, la rotoscopia podría usarse para mostrar cosas en una película que hubiera sido difícil o imposible filmar en la vida real. Y también es para propósitos más mundanos pero necesarios, como quitar cables, micrófonos, marcadores de escenario u otros elementos que quedan en una toma, intencionalmente o no, que pueden sacar a la audiencia del momento mientras ve la película.
La técnica todavía se usa hasta el día de hoy hasta cierto punto, pero afortunadamente, en la era de la computadora surgieron métodos más modernos para la rotoscopia, la creación de mates y la composición de elementos.
Nuevas herramientas de rotoscopia
La existencia de computadoras cada vez más pequeñas, baratas y poderosas nos ha llevado a una gran nueva era en el cine. CGI (imágenes generadas por computadora) hace posible poner casi cualquier cosa en la pantalla y hacer que se vea al menos algo creíble. Y a pesar de la existencia de otras técnicas de efectos especiales (algunas de las cuales hablaremos en la siguiente sección), el nuevo software de gráficos también nos ha traído nuevas formas de rotoscopia que consumen mucho menos tiempo que con la película física.
Algunos de los conceptos son los mismos, pero los medios y las herramientas son en su mayoría digitales (incluidas la película, la pintura y el software). En lugar de una celda de animación física superpuesta sobre una mesa de vidrio que muestra la película proyectada, el software de gráficos a menudo le permite trabajar en capas virtuales, donde una capa es la imagen de la película digitalizada y las otras contienen cualquier animación o efecto que desee colocar en cada fotograma. . Luego, en lugar de fotografiar el producto final, lo guarda o exporta como un nuevo archivo digital.
Las aplicaciones de software de gráficos le permiten hacer muchas de las mismas cosas que podría hacer con medios y equipos de películas físicas. Puede pintar sobre cada cuadro de un video digitalizado con un mouse, panel táctil o tableta gráfica para crear una animación rotoscópica tradicional, donde puede mantener juntas la película normal y la animación o eliminar la película y dejar solo la animación. O puede crear mates complejos para componer objetos filmados o generados por computadora en cada fotograma.
Los mates se pueden crear en fotogramas individuales mediante las herramientas de selección y pintura de la barra de herramientas del software. Puede delinear usando splines (líneas o curvas que se pueden manipular arrastrando varios puntos) para que sea más fácil modificar ligeramente el mate en la siguiente imagen en lugar de volver a dibujar completamente uno nuevo. El software incluso puede manejar algunas cosas en múltiples cuadros automáticamente, lo que podría tomar la información en los cuadros clave iniciales y finales y usarla para determinar qué información debe estar en los cuadros intermedios y generarlos. Una gran cantidad de software puede rastrear la posición de los elementos de un cuadro a otro para saber dónde colocar cualquier elemento compuesto que se haya agregado a cuadros anteriores. El software más nuevo se ha vuelto cada vez más bueno para reconocer y delinear y enmascarar correctamente las formas en varios fotogramas sin que los animadores tengan que trazar líneas exactas alrededor de cada uno, lo que supone un enorme ahorro de tiempo.
El software de gráficos moderno también le permite cambiar fácilmente los colores, transformar elementos de una cosa a otra, desenfocar y suavizar los bordes con unas pocas pulsaciones de teclas y clonar (o copiar) partes de la imagen de la pantalla de un lugar a otro. Esta última herramienta es útil para cosas como quitar cables y micrófonos boom perdidos, ya que puedes colocar otras partes del fondo (una pared o el cielo) sobre ellos para que parezca que nunca estuvieron allí.
Las primeras herramientas de software que podrían usarse para rotoscopia y técnicas similares comenzaron a aparecer en la década de 1990, incluidas Colorburst, Commotion y Matador. El software más moderno que se puede usar para varios niveles de rotoscopia incluye Adobe Flash, Adobe Photoshop, Adobe After Effects, Imagineer Systems' Mocha, Silhouette, Autodesk's Flame and Smoke, Blackmagic's Fusion y Foundry's Nuke, Ocula y Mari, entre otros. Algunos de estos son costosos y requieren computadoras y otros equipos muy potentes y también costosos. Pero algunos, como Adobe Flash y After Effects, no están fuera del alcance de las posibilidades para un aficionado casero o un cineasta independiente.
Colocación de colores frente a rotoscopia
El actor Peter Capaldi trabajando frente a una pantalla durante la filmación de un episodio de “Doctor Who”. Existen algunas alternativas notables a la rotoscopia para componer efectos especiales en películas, y una de ellas es la incrustación de color, que a veces se denomina incrustación de croma, y a menudo se la denomina por el color del fondo en el que se filman los actores (como pantalla azul o pantalla verde ). La clave de color de pantalla azul ha existido desde 1940 cuando se usó en la película "El ladrón de Bagdad".
Otra versión de la misma idea fue utilizada exclusivamente por Disney, donde filmaron a los actores sobre un fondo blanco y los iluminaron con lámparas de vapor de sodio. Este método patentado se utilizó para filmar y componer efectos en "La trampa de los padres", "El profesor distraído" y "Mary Poppins".
El verde superó al azul como el más utilizado cuando el trabajo de posproducción se volvió digital, ya que el verde es más fácil de iluminar y las cámaras digitales pueden captar mejor los detalles frente a ese color. Cualquiera que sea el color involucrado, la codificación de color se usa para crear paspartús de viaje de manera más automática al filmar actores y otros elementos de primer plano frente a un fondo de un solo color y luego usar película o procesamiento digital para eliminar ese color (o todo lo que no sea ese color) para producir mates para elementos de fondo y de primer plano. Eliminó la necesidad de delinear y mate manualmente los elementos cuadro por cuadro y facilitó mucho el proceso, aunque tiene sus propios problemas. Por ejemplo, debe asegurarse de que sus actores no usen nada del color del fondo. Además, la mayoría de las cosas son multicolores, por lo que es posible que se eliminen tenues rastros de esos colores de los sujetos de primer plano, lo que requiere una corrección de color.
Y no es infalible. La rotoscopia a veces se usa para corregir errores en el set, como que alguien o algo que está filmando se mueva fuera del área de la pantalla a color. Si alguien accidentalmente mueve un brazo fuera del área, se puede usar la rotoscopia para hacer un mate móvil de la parte que no está frente a la pantalla a color para componerla correctamente en la película.
Captura de movimiento versus rotoscopia
El movimiento de un artista que usa un traje de captura de movimiento se traduce digitalmente a un personaje de pantalla. Otra técnica comparable e incluso más nueva es la captura de movimiento, a veces denominada mocap, y más recientemente denominada captura de rendimiento. Es similar tanto a la rotoscopia como a la incrustación de color en el sentido de que se usa para componer nuevos elementos en movimiento (actores en particular) en escenas, y al igual que la rotoscopia antigua, a menudo se usa para dar a los personajes un movimiento y una apariencia realistas. Pero mocap es una cosa de la era digital que nos brinda gráficos y movimientos mucho más realistas que cualquier cosa anterior.
Originalmente desarrollado para estudiar el movimiento, el proceso se ha utilizado en películas y videojuegos desde mediados de la década de 1990. Se trata de capturar digitalmente el movimiento de un actor en vivo para crear un modelo informático tridimensional del cuerpo y sus movimientos. En sus encarnaciones anteriores, un actor se ponía un traje cubierto con marcadores reflectantes o sensores y luego actuaba solo en un escenario de sonido rodeado de cámaras. Los datos de la sesión se introducirían en un software de computadora que generaría un modelo tridimensional en movimiento del artista y la actuación. Los animadores y otros profesionales de los efectos especiales agregarían expresiones faciales, disfraces y otros detalles a través del software de gráficos en la posproducción. La técnica se utilizó para modelar algunas tomas de Batman en "Batman Forever" (1995), escenas de multitudes en "Titanic" (1996), Jar Jar Binks en "Star Wars Episodio I:La amenaza fantasma" (1999) y Gollum (realizado por el virtuoso de la captura de movimiento Andy Serkis) en "La Comunidad de los Anillos" (2002).
Pero cada éxito de taquilla de mocap parece traer innovaciones que hacen que el proceso sea aún mejor. Una mejora importante fue la captura de la actuación facial, que se usó para el personaje titular en "King Kong" (2005) de Peter Jackson, Davy Jones en "Piratas del Caribe:El cofre del hombre muerto" (2006) y todos los Na'Vi en James. "Avatar" de Cameron (2009). Esto se logró al principio con el uso de sensores o marcadores reflectantes en la cara, pero para "Avatar", los actores usaban cascos ajustados que tenían cámaras frente a la cara del actor (fijadas a través de un brazo delgado) y tenían puntos pintados en sus caras. La cámara capturó todos los cambios faciales, incluidos los movimientos de los labios y los ojos, e introdujo los datos en el software. Los datos se usaron para imbuir a cada personaje generado por computadora con la mayor cantidad posible de la actuación real del actor, en lugar de depender por completo de la animación de posproducción utilizando imágenes de referencia. Los actores todavía tenían que actuar en un set (usando cascos y trajes cubiertos con sensores LED infrarrojos y siendo filmados por el sistema de cámara de captura de movimiento "The Volume" de Weta), pero pudieron interactuar entre ellos.
Otro gran avance se produjo con "Piratas del Caribe:El cofre del hombre muerto" (2006), donde Bill Nighy pudo hacer toda su actuación en el plató con otros actores (aunque con un traje corporal cubierto de rotuladores y con rotuladores faciales). La casa de efectos Industrial Light and Magic pudo agregar todos los elementos CGI de Davy Jones más tarde utilizando los datos que se capturaron en el set. En "Rise of the Planet of the Apes" (2011) y "Dawn of the Planet of the Apes" (2014) (ambos también protagonizados por Andy Serkis en papeles de captura de movimiento), la captura de movimiento se realizó al aire libre en el lugar usando trajes con LED infrarrojos y las cámaras del casco.
Y otra increíble innovación se usó por primera vez en "Avatar". Una cámara virtual con un monitor permitió a James Cameron ver a los actores como sus personajes generados por computadora junto con la configuración generada por computadora en tiempo real mientras se desarrollaban las actuaciones. La tecnología también se usó en "El hobbit:un viaje inesperado" de Peter Jackson (2012) y sus secuelas. Los resultados finales, mucho más realistas, aún llegan después de muchas, muchas horas de trabajo de postproducción, pero se pueden usar para visualizar mejor cómo se verá realmente una toma y dar la dirección correspondiente. Además, los gráficos inmediatos en el set seguramente mejorarán con el tiempo.
La captura de movimiento también se ha utilizado para crear películas totalmente animadas, como "Final Fantasy:The Spirits Within" (2001), "The Polar Express" de Robert Zemeckis (2004) y "Beowulf" (2007). Los dos primeros sufrieron quejas de que los personajes caían en el territorio de "Uncanny Valley", pero ese tipo de quejas parece estar disminuyendo con animaciones más nuevas y realistas.
Presente y futuro de la rotoscopia
Es una apuesta segura que los directores James Cameron y Peter Jackson seguirán impulsando la evolución del cine de efectos especiales. Tanto la rotoscopia como la captura de movimiento pueden permitir que la actuación de un actor se manifieste en acción en lugar de solo expresar la voz de un personaje representado gráficamente. Pero la captura de movimiento tiene el potencial de convertir a un actor en cualquier tipo de criatura que requiera la historia, sin necesidad de horas de maquillaje y vestuario, y con una apariencia y movimiento totalmente realistas.
Aún así, es un proceso costoso y no siempre es necesario para contar una buena historia. Aunque casi todas las películas tienen efectos especiales que no notamos, como el micrófono de boom o el día para tomas nocturnas o más nieve en el suelo que generalmente está presente durante una filmación de primavera, no todos tienen o necesitan completamente CG. personajes.
Todas estas técnicas brindan a los animadores y otros cineastas formas de producir imágenes creativas e impresionantes. En la película de acción en vivo, permiten escenas que serían costosas, difíciles, peligrosas o imposibles de filmar en un escenario del mundo real. Y las herramientas digitales nuevas y mejoradas están haciendo posible crear efectos más realistas que nunca, más rápido y más barato que antes.
A pesar de todos los nuevos juguetes brillantes, la rotoscopia todavía existe como una herramienta viable en el arsenal del cineasta o artista gráfico. Se puede adoptar con fines estilísticos para brindar una cierta apariencia, como con "Waking Life" y "A Scanner Darkly" de Richard Linklater. Pero también está siempre en modo de espera, listo para usarse para filmar flubs y otras necesidades de composición de posproducción.
Nota del autor:cómo funciona la rotoscopia
La investigación de este artículo ha sido educativa en áreas de la historia del cine y la animación. Conocía algunos de los casos más obvios de rotoscopia en animaciones, como "El señor de los anillos" de Ralph Bakshi y "A Scanner Darkly" de Richard Linklater, pero no me di cuenta de lo mucho que se ha usado y de que todavía se usa. tan a menudo. Y siempre me han gustado las caricaturas de Max Fleischer, pero no conocía toda la historia de fondo hasta ahora. De hecho, lo más divertido de investigar este artículo fue que prácticamente me obligó a ver un montón de dibujos animados antiguos.
Y en cuanto a la captura de movimiento, solo hay que fijarse en las diferencias entre el Gollum de las películas de "El Señor de los Anillos" de Peter Jackson y el Gollum de la primera película de "El Hobbit". Antes era fantástico, pero la actuación de Andy Serkis y las expresiones faciales del personaje final generadas por computadora casi me hacen llorar en la nueva película. No puedo esperar a ver qué nos depara el futuro de CGI.