10 películas que cambiaron el cine

Louis y Auguste Lumière hicieron la primera película jamás proyectada.

"Trabajadores saliendo de la fábrica Lumière" fue la primera película cinematográfica que se proyectó. Filmada por los hermanos Auguste y Louis Lumière en 1895, la película es justo lo que sugiere su título:47 segundos de imágenes en blanco y negro que capturan a los empleados de la fábrica saliendo del trabajo por el día.

En ese momento, las películas eran tan nuevas que ver cualquier cosa en la pantalla era emocionante. Pero a medida que pasaba el tiempo, tanto los espectadores como los directores querían más del medio. Hoy en día, los avances tecnológicos han permitido a los cineastas hacer cosas que antes parecían imposibles. Por ejemplo, en la película "Gravity" de 2013, el director Alfonso Cuarón usó tomas de cámara en movimiento continuo para dar a los espectadores la sensación de estar en el espacio exterior con las estrellas Sandra Bullock y George Clooney. Los actores estuvieron atados a arneses durante horas mientras enormes paneles LED los rodeaban, transmitiendo una luz arremolinada. Esto dio una representación muy realista de los astronautas volando ingrávidos en el espacio [fuentes:Hill, Von Baldegg].

Pasar de trabajadores que salían de una fábrica a astronautas girando en el espacio requirió la visión y la creatividad de una gran cantidad de ingenieros, inventores, directores de fotografía, directores, guionistas y actores. Esta lista cronológica de 10 películas que cambiaron el cine ilustra el viaje.

Contenido

1. 'Acorazado Potemkin' (1925)
2. 'El general' (1926)
3. 'El cantante de jazz' (1927)
4. 'Ciudadano Kane' (1941)
5. 'Sin aliento' (1960)
6. '8 ½' (1963)
7. '2001:Una odisea del espacio' (1968)
8. 'Toy Story' (1995)
9. 'Avatar' (2009)
10. 'Vergüenza' (2011)

10:'Acorazado Potemkin' (1925)

Irónicamente, la película 'Battleship Potemkin' que celebraba a los revolucionarios rusos fue luego prohibida por Joseph Stalin.

¿Quién dice que la propaganda es mala? Este pedacito de la historia del cine fue creado para rendir homenaje a los primeros revolucionarios rusos, pero terminó derrocando la forma en que se hacían las películas dramáticas. La película muda cuenta la historia de un levantamiento de 1905 en el que los marineros rusos frustran la tiranía a bordo de un barco, solo para ser destruidos cuando los malos de mano dura, los cosacos, en este caso, vienen en busca de venganza.

La historia se desarrolla en cinco actos. "The Odessa Steps" es la más notable de las cinco, aclamada por cineastas, académicos y cinéfilos como un avance importante en el arte de la edición. Sergey Eisenstein fue uno de los primeros directores en utilizar el montaje – editando una serie de tomas en una sola secuencia – mientras capturaba la destrucción culminante que ocurre cuando las fuerzas cosacas invaden la ciudad, entretejiendo los destinos de varias personas del pueblo y un desafortunado bebé en un carruaje. (La escena se repitió en "Los intocables" de 1987). [fuentes:Ebert, Encyclopedia Britannica].

El "Acorazado Potemkin" fue prohibido en varios países, incluida, irónicamente, la Unión Soviética en la era estalinista. Joseph Stalin temía que pudiera incitar un motín contra su régimen represivo [fuente:Encyclopedia Britannica].

9:'El General' (1926)

Buster Keaton mira dentro de lo que parece ser un cañón en 'The General'.

Antes de que existieran Jason Bourne y el detective John McClane, existió Buster Keaton. El padrino de la actuación física fijó el listón para decenas de protagonistas por venir. Esta estrella del cine mudo hizo todas sus propias acrobacias, comenzando con una caída inadvertida por un tramo de escaleras a la edad de 6 meses. De alguna manera, Joseph Francis Keaton salió ileso y Harry Houdini, que estaba presente, lo levantó y dijo que el niño realmente podría soportar un "golpe" o una caída [fuente:PBS].

A diferencia de las estrellas de acción de hoy, la mayoría de los golpes y moretones de Keaton fueron hechos para reír. Fue uno de los actores inexpresivos originales, que nunca mostró un signo de emoción, a pesar de las multitudes enojadas, los hooligans de los vagones de tren u otras travesuras que lo seguían de cerca. Preparó el escenario para que lo siguiera una amplia gama de actores, desde Bill Murray y Alec Baldwin hasta Michael Cera y Zach Galifinakis [fuente:Barnes].

"The General" es Keaton en su mejor momento:una aventura de persecución de trenes ambientada en la era de la Guerra Civil que el actor protagonizó, escribió y dirigió. Dos escenas de persecución extendidas muestran toda su gama de talentos, mientras salta sobre furgones, salta sobre un puente en llamas y esquiva por poco una bala de cañón, todo sin romper esa cara de piedra [fuente:Dirks].

8:'El cantante de jazz' (1927)

'The Jazz Singer' fue la primera película hablada o 'talkie' jamás realizada.

"The Jazz Singer" fue la primera película en romper la barrera del sonido del cine, trazando nuevos caminos al agregar diálogo hablado a una producción cinematográfica. Ese avance fue lo suficientemente bueno como para que la película ganara el primer Premio de la Academia honorario por logros técnicos.

Warner Bros. Studios utilizó lo que entonces era una tecnología completamente nueva llamada Vitaphone. El sistema de sonido en disco requería que un proyeccionista sincronizara los carretes de película con un disco fonográfico para reproducir diálogos y melodías grabadas. Fue un primer paso inestable, pero muy importante [fuente:Hart].

"Las canciones de Vitaphone y algunos diálogos se han introducido de la manera más hábil", dijo un reportero del New York Times en una reseña de la película de 1927. "Esto en sí mismo es un movimiento ambicioso, ya que en la expresión de la canción, el Vitaphone vitaliza enormemente la producción".

Aunque Vitaphone y tecnologías similares pronto fueron reemplazadas por procesos de sonido en película, se siguió utilizando para Looney Tunes y otras imágenes de dibujos animados durante la década de 1940 [fuente:Hart].

7:'Ciudadano Kane' (1941)

Orson Welles escribió, dirigió y protagonizó 'Citizen Kane', y también fue pionero en una narrativa distorsionada en el tiempo. como el uso de la iluminación para capturar el estado de ánimo.

Si no has visto la llamativa interpretación de "El gran Gatsby" de Baz Luhrmann, no lo hagas. En su lugar, pase un par de horas con "Citizen Kane", una historia más gratificante sobre los peligros del sueño americano que se basó libremente en el libro "Gatsby".

A menudo en la parte superior de las listas de las mejores películas jamás realizadas, "Citizen Kane" cuenta la historia de la desafortunada búsqueda de la gloria de un magnate editorial. Además, algo sobre un capullo de rosa... Escrita por Orson Welles y Herman Mankiewicz, la figura central de la película es una aproximación al gigante de los medios de la vida real William Randolph Hearst.

Welles también dirigió y protagonizó esta obra maestra cinematográfica que puso el listón de las películas un par de niveles más alto. Adoptó una narrativa distorsionada en el tiempo, usó iluminación para capturar el estado de ánimo y se basó en tomas de enfoque profundo – en el que todo el fotograma de cada toma permanece enfocado en todo momento – para permitir que los espectadores busquen en la pantalla la respuesta al acertijo del "capullo de rosa" [fuentes:Perez, Brown].

6:'Sin aliento' (1960)

El actor francés Jean-Paul Belmondo y la actriz estadounidense Jean Seberg se sientan juntos bajo una manta en una escena de la película 'Breathless , dirigida por Jean-Luc Godard.

Los discípulos de autores cinematográficos como Wes Anderson y Quentin Tarantino tal vez quieran dedicar un tiempo a presentar sus respetos a Jean-Luc Godard y Francois Truffaut. Estos titanes de la Nueva Ola francesa marcaron el rumbo de su descendencia estadounidense con un puñado de películas autoconscientes que utilizaron nuevas técnicas para contar viejas historias.

"La nueva ola francesa ha influido en todos los cineastas que han trabajado desde entonces, ya sea que hayan visto las películas o no", dijo Martin Scorseseon una vez. "Sumergió el cine como un maremoto".

Una pieza central del movimiento New Wave, "Breathless" es mejor conocido entre los cinéfilos por su amplio uso de la edición con corte de salto. . El director Godard usó varias tomas del mismo sujeto desde ángulos ligeramente diferentes para expresar el paso del tiempo. La técnica también le da a la película una sensación de nerviosismo e irregularidad cuando Godard cuenta la historia de un forajido (Jean-Paul Belmondo) y su interés amoroso (Jean Seberg) en movimiento.

Desde entonces, los cortes de salto se han convertido en una forma habitual de generar tensión en el cine. Los fanáticos de las películas de gánsteres recordarán que Scorsese empleó la técnica en las escenas finales de "Goodfellas", cuando Henry Hill, drogado por la cocaína, conduce por Brooklyn y la policía se acerca [fuentes:Kohn, Casey].

5:'8 ½' (1963)

Frederico Fellini dirige a Claudia Cardinale en el plató de '8 1/2'.

El ícono del cine italiano Federico Fellini teje la historia (¿autobiográfica?) de un director estresado que tiene problemas para poner en marcha su último proyecto a través de una serie surrealista de escenas oníricas, fantásticas y actuales que se mezclan entre sí y dejan para los espectadores que tarea de clasificar cuál es cuál.

"8 ½" comienza con una secuencia de sueños que incluye al director Guido atrapado en un tráfico impenetrable, luchando incluso para salir de su automóvil, y luego flotando hacia las nubes antes de ser arrastrado hacia la tierra por una cuerda atada a su tobillo. Guido va a todas partes en su mente, mientras que su proyecto cinematográfico persigue su propia cola [fuente:Sesonski]. El título, por cierto, hace referencia al hecho de que esta película era la octava y media que Fellini había dirigido o codirigido.

La forma libre de la película ayudó a liberar a los futuros cineastas de las ataduras de la narración tradicional y lineal. Abrió la puerta a generaciones de cineastas surrealistas, incluidos David Lynch, Terry Gilliam, Darren Aronofsky y Michel Gondry. Intente seguir "8 ½" con "Black Swan" de Aronofsky o "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" de Gondry y la influencia es apetecible [fuente:Sesonski].

4:'2001:Una odisea del espacio' (1968)

Keir Dullea interpretó al astronauta Dr. David Bowman en '2001:Una odisea del espacio'.

Un pequeño paso para el hombre, un gran salto para los efectos especiales creados por el hombre. Stanley Kubrick obligó a la industria cinematográfica a repensar lo que era posible con su alucinante interpretación de la evolución, dos astronautas condenados y una computadora parlante llamada HAL. Las réplicas de lo que Steven Spielberg llama el "big bang" de su generación cinematográfica todavía se sienten en películas modernas de ciencia ficción como "Inception" [fuente:Kazan].

Con apenas 40 minutos de diálogo en casi dos horas y media de película. Kubrick se basó en imágenes, música y varios efectos de audio, en particular, un silencio penetrante, para guiar a los espectadores en su viaje por el espacio exterior. Al igual que "8 ½" antes, la película demostró una vez más que una narrativa convincente no tiene que desarrollarse de manera lineal [fuente:Suber].

El verdadero impacto de la película no es su historia, sino los efectos visuales y especiales utilizados para contarla. Desde entonces, esas técnicas han sido adoptadas por una gran cantidad de cineastas de ciencia ficción, desde George Lucas en "Star Wars" hasta Ridley Scott en "Alien" [fuente:Kazan].

"Después de '2001:Una odisea del espacio', la ciencia ficción está muerta", dijo Scott sobre el legado de la película, lo que significa que todos la imitaron. "No hay nada original. Lo hemos visto todo antes. Estuve allí. Lo hice" [fuente:Kazan].

3:'Historia del juguete' (1995)

El director de 'Toy Story', John Lasseter, aparece con dos de sus personajes de la película, Woody (izquierda) y Buzz Lightyear en 1996.

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Esta película representó los albores de la revolución de Pixar. Sin él, no habría "Monsters, Inc.", ni "Buscando a Nemo" ni "Up", por no mencionar que no habría "Toy Story 2" ni "Toy Story 3". Cuando se estrenó "Toy Story" en 1995, habría sido una blasfemia predecir que dos películas animadas posteriores de Pixar, "Up" y "Toy Story 3", serían nominadas a Mejor Película en los Premios de la Academia y que "Up " sería seleccionado para inaugurar el venerable Festival de Cine de Cannes en 2009. De hecho, "Toy Story" probablemente tuvo mucho que ver con la notoriamente cargada tradición de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas que creó un nuevo premio Oscar a la Mejor Película Animada. en 2001 [fuente:Lane].

Esta pequeña película exploró nuevos territorios en muchos frentes. Fue la primera película creada completamente con imágenes generadas por computadora (CGI). CGI ahora es omnipresente en la industria del cine, para bien o para mal. También fue una de las raras películas para niños cuyo diálogo ingenioso atrajo tanto a niños como a adultos. La combinación se convirtió en una hoja de ruta para Pixar, que generó más de $ 6 mil millones en ingresos en "Toy Story" y las 10 películas que siguieron a partir de 2014 [fuente:Lane].

2:'Avatar' (2009)

El director James Cameron muestra un par de anteojos 3-D antes de la proyección de su película 'Avatar' en el Reunión anual del Foro Económico Mundial en Davos, Suiza en 2010.

Con "Avatar", el director James Cameron estableció un nuevo estándar para la ciencia ficción, mezclando acción en vivo con efectos especiales generados por computadora. Los actores generados por computadora hacen lo suyo en mundos virtuales en 3D cuyos escenarios vibrantes casi saltan de la pantalla. La realidad alternativa que resulta no se parece a nada que se haya visto antes en una película. Entre las innovaciones creadas para esta película se encuentran las imágenes generadas por computadora con captura de movimiento que pueden grabar las expresiones faciales de un actor y una cámara que le permite al director ver en tiempo real cómo los personajes generados por computadora (basados ​​en actores reales) interactúan con los mundos virtuales [fuentes:Hiscock, Masand].

Claro, la historia, que se desarrolla en torno a una misión militar futurista de los EE. UU. en el planeta Pandora, podría no ser un drama apasionante entre los gustos de "Citizen Kane", pero es un vehículo digno para efectos visuales impresionantes. Y llevó el 3-D a un nivel completamente nuevo. Es demasiado pronto para medir el impacto a largo plazo de la película en el género de ciencia ficción y el futuro de los éxitos de taquilla del verano. Sin embargo, es seguro decir que ninguno de los dos volverá a ser el mismo.

1:'Vergüenza' (2011)

El actor Michael Fassbender aparece en una de las escenas menos subidas de tono de 'Shame', la primera NC -17 películas para obtener un lanzamiento amplio.

"Shame" es diferente a cualquier película en esta lista. Es una película de NC-17 sobre la adicción al sexo. Se perdonará a los espectadores si eligen ver este con las luces apagadas y las puertas cerradas, acurrucándose lentamente en posición fetal mientras Michael Fassbender se adentra cada vez más en la madriguera del conejo de la intimidad física sin sentido [fuente:Lack].

Sí, es una película convincente e inquietante, gracias en gran parte a Fassbender. Pero el impacto duradero de "Shame" seguramente será que fue la primera película de NC-17 en ver un gran estreno en los cines de todo el mundo. En ese sentido, la película toma la antorcha de "The French Connection", el duro thriller de detectives de 1971 protagonizado por Gene Hackman y la primera película con clasificación R en ganar el premio a la Mejor Película. Pero ahí es donde se detienen las similitudes. El detective Popeye Doyle de Hackman vio algunas cosas en su día, pero probablemente nada como lo que está pasando en "Shame" [fuente:Lack].

Nota del autor:10 películas que cambiaron el cine

El "Battleship Potemkin" podría ser responsable del nacimiento del montaje, pero, por mi dinero, el mejor uso de la técnica fue por parte de Menaham Golan en la película de acción de lucha libre de 1987 "Over the Top". Sylvester Stallone como el camionero Lincoln Hawk vence a sus enemigos, salva su relación con su hijo separado y gana un nuevo camión grande, todo mientras "In This Country" de Robin Zander suena de fondo. Si eso no te hace querer salir y luchar, ponerte al volante de un camión y ser estadounidense, nada lo hará.