Cómo funciona el hip-hop

Foto cortesía de Consumer Guide Products
The Sugarhill Gang's Rapper's Delight fue la primera hip- canción de salto para ir de oro.

"Dije un hip hop
el hippie el hippie
al hip hip hop, no dejas de rockear
al bang bang boogie, di arriba saltó el boogie
al ritmo del boogie, el compás"

Es posible que estés en una encrucijada en este momento entre terminar la letra de esta canción y leer este artículo. Avanzar; canta un poco más si puedes, estamos ahí contigo...

"Ahora lo que escuchas no es una prueba:estoy rapeando al ritmo
y yo, el ritmo, y mis amigos intentarán mover tus pies
mira, soy Wonder Mike y yo me gustaría saludar
al negro, al blanco, al rojo, al marrón, al violeta y al amarillo"

¿Terminado todavía? ¿No?

"Pero primero tengo que bang bang the boogie to the boogie
di up jump the boogie to the bang bang boogie
vamos a rockear, no te detengas
rockea el acertijo que hará que tu cuerpo roca..."

Si llegaste a este verso y todavía tienes más letras en ti, entonces probablemente sepas que son de una de las primeras canciones de hip-hop o rap jamás grabadas:"Rapper's Delight" de The Sugarhill Gang. Es posible que recuerdes la canción de cuando llegó por primera vez a las vías respiratorias corriendo hacia el oro, o tal vez estés recordando a una viejecita en la película de Adam Sandler, "The Wedding Singer". Si bien es cierto que en octubre de 1979 esta fue la primera canción de hip-hop en ganar oro, de ninguna manera representa el comienzo del hip-hop.

Grafiti global
Con la ayuda de Internet, el grafiti se ha globalizado. Sitios web como Art Crimes, @149st, Aero, Éiresol Style y muchos otros unen a taggers de todo el mundo. La mayoría de los sitios incluyen vastos archivos de fotos y también encontrará blogs, videos, artículos, boletines y entrevistas.

Otra cosa a aclarar es esta:si crees que el hip-hop y el rap son sinónimos, estás un poco equivocado. Si bien es correcto decir que el rap es hip-hop, no es del todo correcto decir que el hip-hop es rap. El hip-hop es un movimiento cultural similar al Art Deco y al Renacimiento de Harlem y, al igual que estos movimientos, incorpora varios elementos. La mayoría de los historiadores del hip-hop hablan de cuatro elementos del hip-hop:etiquetado (grafiti), b-boying (break dance), maestro de ceremonias (MCing ) y rapear . Uno de los elementos visuales, el graffiti, técnicamente fue lo primero, pero en ese momento no era parte de la cultura hip-hop porque el hip-hop no existía. Ser DJ y MC (y eventualmente rapear) inició el movimiento hip-hop, seguido de cerca por el baile y el estilo.

Si observa el movimiento desde sus inicios hasta hoy, verá que estos elementos se han expandido a términos más amplios:

Arte visual, que incluye graffiti, así como otras artes gráficas y películas
La palabra escrita y hablada, que incluye MCing, rap y performance poesía
Movimiento físico, que incluye una variedad de estilos de baile hip-hop
Estilo, que incluye ropa y otros objetos de moda

Las letras no son las únicas palabras del movimiento hip-hop. La poesía también ha encontrado un hogar en el hip-hop, a través de la palabra hablada. -- el proceso de recitar poesía original o el trabajo de otro frente a un grupo o audiencia. Cabe señalar que la poesía escénica no se limita al ámbito del hip-hop, sino que ha ido ganando terreno dentro del movimiento durante muchos años. Si ha visto un episodio de la serie de televisión de HBO de RussellSimmons, Def Poetry Jam, que se estrenó en 2002, entonces sabe de qué se trata. Varios poetas destacados y celebridades han aparecido en el programa, incluidos Amiri Baraka, Ani DiFranco, DMX, George Clinton, Erykah Badu, Kanye West, KRS-One, Lou Reed, Nikki Giovanni, Smokey Robinson, Sonia Sanchez y Wyclef Jean.

En este artículo, veremos más de cerca cada uno de los elementos del hip hop. Pero primero, retrocedamos, muy atrás, y exploremos los comienzos de este movimiento de 30 años.

Contenido

Historia del hip-hop
Hip-hop y grafiti
Música hip-hop
Hip-hop moderno
Baile hip-hop
Breakdance en los años 80
Moda hip-hop
Globalización del Hip-hop

Historia del hip-hop

Scott Gries/Getty Images
Los pioneros del hip hop Afrika Bambaataa (izquierda) y Kool Herc posa para una foto durante una conferencia de prensa para anunciar el lanzamiento de The Smithsonian's Hip-Hop Won Stop:The Beat, The Rhymes, The Life en 2006

Para considerar el nacimiento del hip-hop, algo que la mayoría de la gente estaría de acuerdo en que sucedió en las calles de Nueva York, primero hay que mirar los caminos de varios estilos y géneros musicales, algo así como un árbol genealógico musical. Las raíces del hip-hop se pueden encontrar en una variedad de estilos musicales con influencia africana. La música afroamericana gospel, folk, blues, jazz y R&B toma cada una una rama del árbol, al igual que el calipso, la salsa, la soca, el ska, el reggae y otros estilos afrocaribeños.

El camino que conduce al nacimiento del hip-hop no es lineal, sino que zigzaguea de un lado a otro, aquí y allá, y finalmente termina en el vecindario del sur del Bronx en Nueva York. Un bosquejo aproximado de los eventos es más o menos así:Los esclavos transportados desde los países de África occidental a América del Norte y del Sur trajeron consigo diversas tradiciones orales y musicales. Estas tradiciones se convirtieron en parte integral del uso de la música como una forma de resistencia y rebelión. Los tambores religiosos de África Occidental se encontraron con la narración de cuentos y el griotismo (una tradición oral de mantener y transmitir importantes historias familiares y locales a través de la poesía y la música) para crear canciones espirituales y baladas. La llamada y la respuesta entre la congregación y el ministro se trasladaron más allá de la iglesia y hacia la música. Con el tiempo, el jazz, el blues y la música folclórica impregnaron el sur de los Estados Unidos. El bebop y, finalmente, la música doo-wop llegaron a las vías respiratorias. Ellos, el jazz, el blues y el R&B estadounidenses llegaron al Caribe durante la Segunda Guerra Mundial, cuando los soldados estadounidenses estaban estacionados en Jamaica.

Versionado Versionado en la música reggae es similar al muestreo en hip-hop. En el versionado, alguien crea y graba una canción. La canción se vuelve popular, tanto que otros artistas de la grabación hacen docenas, si no cientos, de otras versiones (en los Estados Unidos, se conocen como versiones). Un ejemplo es la canción de Wayne Smith, "Under Mi Sleng Teng". Se grabaron más de 230 versiones de esta canción durante el primer año del lanzamiento original de Smith [fuente:Hebdige]. En el muestreo, un artista toma una muestra de la canción de otra persona e inserta una parte de ella en su propia canción nueva.

Mientras tanto, en Jamaica y muchas otras regiones del Caribe, los disc jockeys (DJ) con grandes sistemas de sonido portátiles instalarían discotecas temporales en edificios alquilados o en las calles. El mercado de estos clubes de baile itinerantes era ferozmente competitivo. Los DJ comenzaron a idear formas de superar a sus rivales; una práctica común era brindar . El brindis implicaba hablar improvisadamente o con guión mientras se reproducía una canción. A veces, los comentarios incluían pinchazos o pinchazos a los DJ rivales.

Esta práctica eventualmente condujo a dos nuevos tipos de música reggae:talk over y doblaje [fuente:Hebdige]. Las pistas de conversación eran grabaciones de DJ brindando por una melodía en particular. Los doblajes eran interpretaciones de canciones aún más manipuladas. Incluyeron efectos de conversación y de sonido, como efectos de eco, reverberación y graves y agudos intensificados. Muchos artistas comenzaron a colocar una versión dub en la cara B de sus 45. Estas versiones dobladas solían ser en su mayoría instrumentales con algunas letras de canciones y comentarios de conversación.

Entonces, ¿cómo lleva todo esto al hip-hop? La respuesta está en la historia de un joven emigrado jamaicano llamado Clive Campbell. . En 1967, Campbell, de 13 años, se mudó de Jamaica al vecindario de West Bronx en Nueva York [fuente:Gross]. Trajo consigo el conocimiento de las discotecas móviles, los djs de brindis y los discos de talk-over y dub de su tierra natal. Ese conocimiento combinado con un poderoso sistema de sonido ayudó a Campbell, también conocido como Kool Herc, a sentar las bases del movimiento hip-hop.

Pero antes de hablar sobre el turno de Herc en los tocadiscos, echemos un vistazo a otra cosa que pasó un tiempo haciendo después de mudarse a Nueva York:etiquetar.

Hip-hop y Grafiti

Nota:los pandilleros usan graffiti para comunicarse dentro y fuera de sus cuadrillas. Sin embargo, el graffiti también es creado por personas que no están afiliadas a pandillas. El grafiti discutido aquí se refiere a la práctica no relacionada con pandillas.

Cómo funciona el hip-hop
Mat Szwajkos/Getty Images
Un grafitero comienza a pintar su mural en la fachada de un vagón de metro realista en la fiesta de barrio Getting Up de Marc Ecko el 24 de agosto de 2005, en el barrio de Chelsea en la ciudad de Nueva York.

El costo del grafiti
Los equipos de limpieza operan únicamente para combatir el grafiti en ciudades y condados de los Estados Unidos. Según se informa, se tuvieron que eliminar alrededor de 60 millones de pies cuadrados de graffiti solo en el condado de Los Ángeles en 2006. El condado pagó $ 32 millones para hacer el trabajo [fuente:Abdollah].

En una medida proactiva, la ciudad de Montebello, California, está instalando 25 cámaras equipadas con tecnología de trampas de etiquetado. Estas cámaras usan un sensor para detectar el sonido de una lata de aerosol desde una distancia de hasta 80 pies, y luego alertan a la policía. El sistema costará alrededor de $ 1 millón, pero dado que los funcionarios de la ciudad informan un gasto anual de $ 700,000 para eliminar el graffiti, debería amortizarse en un par de años [fuente:Abdollah].

El grafiti, también conocido como escritura, etiquetado y arte en aerosol, es un mensaje o dibujo creado, la mayoría de las veces ilegalmente, en una superficie pública. Algunos eruditos lo comparan con formas de arte antiguas como los jeroglíficos y las pinturas rupestres. De hecho, un científico lleva el argumento un paso más allá. En "La naturaleza del arte paleolítico", el paleobiólogo Dale Guthrie afirma que, entre las mejores obras del arte rupestre paleolítico, encontrarás grafitis, y muchos.

El grafiti asociado con el hip-hop probablemente comenzó a mediados o finales de la década de 1960. No se pueden precisar los comienzos exactos, pero la mayoría de las discusiones apuntan a un artículo que puso el graffiti en el centro de atención:"'Taki 183' Spawns Pen Pals", publicado en el New York Times el 21 de julio de 1971. El artículo describe Demetrius, un adolescente griego-estadounidense conocido como Taki, que usaba marcadores mágicos para dejar su etiqueta, TAKI 183, donde quiera que fuera. Clive Campbell era un gran admirador del etiquetador TAKI 183. Al igual que muchos otros adolescentes, también emuló a TAKI etiquetando.

A lo largo de los siguientes 40 años, el grafiti evolucionó desde simples marcadores mágicos hasta coloridos murales de trenes y edificios. Y mientras algunas personas ven estas elaboradas piezas como vandalismo, otras las ven como arte. Después de que la propietaria Patti Astor conoció a Fab 5 Freddy, Fun Gallery, que estaba ubicada en el East Village de Manhattan, se convirtió en una de las primeras galerías en exhibir graffiti [fuente:Ehrlich]. Desde entonces, el grafiti ha aparecido en galerías de Milán, Londres y París. El grafiti encontró elogios entre los comerciantes de arte y los asistentes a las galerías a principios de la década de 1980, y llamó la atención de los productores de películas y discos. El grafiti adornaba las portadas de los álbumes y proporcionaba un telón de fondo colorido en los videos musicales. Por ejemplo, HAZE, un conocido grafitero, creó portadas de álbumes para algunos de los primeros trabajos de los Beastie Boys. También trabajó con los registros de Tommy Boy y el rapero Chuck D de Public Enemy [fuente:Austin]. Varios estudiosos del hip-hop y grafiteros están de acuerdo en que fue entonces cuando el movimiento del grafiti se fusionó con el movimiento del hip-hop. En palabras del estudioso del hip-hop Jeff Chang, "todavía hay un intenso debate, especialmente entre los escritores de graffiti mayores, sobre si el hip-hop y el graffiti están relacionados. Pero una vez que se presentó el hip-hop con el graffiti en películas como Wild Style and Style Wars, la historia dio un giro diferente". Chang continúa señalando que hoy en día, el arte hip-hop está intrínsecamente ligado al graffiti, en todo, desde el diseño gráfico hasta la moda y la escultura [fuente:Ehrlich].

Ahora que hemos cubierto el arte del hip-hop, investiguemos el sonido del hip-hop, empezando por cómo Kool Herc se convirtió en el padre fundador de un movimiento cultural.

Música hip-hop

Fotos International/Getty Images
Run-D.M.C. en los American Music Awards, 1980. De izquierda a derecha, Joe Simmons (Run), Jason Mizell (Jam Master Jay, 1965-2002) y Darryl McDaniels (DMC).

Kool Herc (Clive Campbell), se convirtió en el padre fundador del hip-hop cuando pasó del tagging al turn-tabling. Uno de sus primeros conciertos memorables fue una fiesta de regreso a la escuela organizada por su hermana. Los volantes de la fiesta mencionaban a Herc como el DJ. Su nombre era bastante conocido debido a sus hazañas de etiquetado, por lo que la fiesta tuvo una gran participación:la gente se presentó para echar un vistazo a Kool Herc [fuente:Gross].

Los asistentes a la fiesta descubrieron rápidamente que Herc no era como otros DJ. No se limitó a garantizar un flujo constante de melodías. Al observar a la multitud, Herc se dio cuenta de que había partes de las canciones que eran mejores para bailar. La gente esperaba para bailar hasta que sonaran estos descansos o ritmos instrumentales. Para resolver este problema, Herc usó dos tocadiscos y dos copias de un disco. Cambiaba de un lado a otro, tocando la misma parte de la canción repetidamente. Esto se conoció como breakbeats. El brindis de Herc también aumentó el entusiasmo de la multitud, con gritos como "Rock on my mellow", Herc alentó a los asistentes a la fiesta a seguir moviéndose [fuente:Hebdige].

Con el tiempo, ser DJ se volvió más difícil y requería más atención, tanto que Herc tenía poco tiempo para brindar. Los maestros de ceremonias (MC) Coke La Rock y Clark Kent acudieron en ayuda de Herc (más tarde se llamarían The Herculoids). Coke La Rock amplió su brindis a poemas en toda regla, y así nació el rap. Coke La Rock y Clark Kent, ya veces incluso Herc, también agregaron baile al espectáculo. El baile de estilo libre era popular, y durante los descansos prolongados, algunos bailarines se volvían particularmente salvajes. Estos fueron los primeros b-boys, un apodo que acuñó Herc. Hablaremos más sobre la danza en la sección sobre el movimiento hip-hop.

Pronto, la escena de DJ comenzó a estallar con talento. Afrika Bambaataa (Kevin Donovan) y Grandmaster Flash (Joseph Saddler) son vistos como los padrinos del hip-hop. Bambaataa, un ex miembro de la pandilla callejera Black Spades, fue testigo de primera mano de lo que la vida de las pandillas le estaba haciendo a la gente de su comunidad. A través de la creación de Zulu Nation, Bambaataa planeó librar a las comunidades de la violencia y las drogas y reemplazarlas con los elementos positivos del hip-hop. Hoy, Bambaataa sigue siendo un embajador de la cultura hip-hop.

Inspirado por la colección de música de su padre, Grandmaster Flash tomó su conocimiento de la electrónica y lo usó como DJ para hacer historia, ayudando a hacer varias contribuciones al hip-hop:

La frase punch es un poco como un breakbeat pero puede usar dos registros completamente diferentes. Dick Hebidge escribe en "Cut'n'Mix", "el DJ hace un corte particular en un plato mientras el disco en el otro tocadiscos todavía está sonando. El punch funciona en el hop hop como un signo de puntuación en una oración... [y] se puede utilizar para acentuar el compás y el ritmo de la multitud que baila".
Scratching es el proceso de mover un disco de un lado a otro mientras se reproduce:la aguja está en una ranura, por lo que realmente no raya el disco.
El beat box es diferente del beatboxing o del human beat box, la percusión vocal popularizada por los Fat Boys, Doug E. Fresh y Biz Markie. Flash creó la caja de ritmos conectando una caja de ritmos a su configuración, "para que no pudieras saber dónde se detuvo la música y comencé yo" [fuente:George].

Estos y otros pioneros llevaron el hip-hop a través de fiestas caseras y callejeras hasta la década de 1980. Luego, con las primeras grabaciones de música hip-hop, la escena comenzó a trasladarse a lugares más grandes y a las casas de la gente. El primer programa de radio de hip-hop, "Rap Attack" de Mr. Magic, se estrenó en WBLS-FM en la ciudad de Nueva York en 1983. Los MC se convirtieron en figuras más prominentes, a veces reemplazando al DJ como líder. La intención de la música también comenzó a cambiar; veremos cómo en la siguiente sección.

Hip-hop moderno

Mathew Imaging/FilmMagic
Kanye West y Queen Latifah en la 59.ª entrega de los premios Primetime EMMY

Mientras Grandmaster Flash y The Furious Five, Afrika Bambaataa y algunos de los otros pioneros del hip-hop llegaban a los estudios de grabación en la década de 1980, comenzó a aparecer una nueva guardia de artistas de hip-hop. El hip-hop estaba cruzando fronteras, haciendo apariciones en la música new wave y punk. Tanto "Rapture" de Blondie como "The Magnificent Seven" de The Clash incorporaron estilos hip-hop. Ejecutar-D.M.C. fusionó el rap con el hard rock. Artistas como LL Cool J, Whodini y The Beastie Boys crearon una variedad de música hip-hop.

La industria cambió junto con los sonidos. Sugar Hill Records, el sello principal de hip-hop, murió, pero Def Jam Records y otros sellos de hip-hop se mudaron. Raperas como Salt-N-Pepa, Queen Latifah y MC Lyte rompieron la línea de género, facilitando futuras artistas femeninas como Mary J. Blige y Lauryn Hill. El nacionalismo negro ocupó un lugar central en las letras de Public Enemy. El paisaje sonoro del hip-hop se expandió desde Nueva York y la costa este del norte hasta la costa oeste. En 1988, el hip-hop hizo televisión (es decir, MTV) con el nuevo programa, "Yo! MTV Raps". Aproximadamente un año después, los videos de rap se podían ver durante todo el día en MTV.

Artistas como Schoolly D, Ice T, N.W.A. y Snoop Doggy Dog (ahora solo Snoop Dog) trajeron gangsta rap a la escena A medida que el gangsta rap ganó popularidad, la esperanza original del mensaje del hip-hop se perdió en la mezcla. Gangsta rap glorificaba la violencia de las pandillas, la pobreza y el insidioso tráfico de drogas en lugar de denunciarlos. La misoginia reinó supremamente cuando las mujeres fueron cosificadas y representadas como "perras y prostitutas". Por ejemplo, según el éxito de rap gangsta de N.W.A. "Gangsta, Gangsta", "la vida no es más que perras y dinero".

Junto a los estilos de temática gángster, había artistas más interesados en las declaraciones sociopolíticas y el orgullo negro, mientras que otros todavía se dedicaban solo a las rimas entretenidas y la buena música de baile. Algunos de los artistas de hip-hop populares durante este tiempo fueron:Wu Tang Clan (y sus solistas posteriores Ghostface Killah, Masta Killa, Method Man, Ol 'Dirty Bastard y RZA), Tupac Shakur (2Pac), N.W.A. (y sus solistas posteriores Eazy-E, Ice Cube y Dr. Dre), Warren G, Sir Mix-a-Lot, KRS-One, Cypress Hill y Mos Def.

Ventas de Música 2006
Aunque el hip-hop es decididamente popular en los Estados Unidos, según el Perfil del Consumidor de 2006 publicado por la Asociación de la Industria de Grabación de América (RIAA), el rock y el country vencieron al hip-hop, al menos por Registros oficiales de ventas. Este es el desglose general:

Rock34 por ciento
Country13 por cientoRap/Hip-hop11,4 por cientoR&B/Urbano11 por cientoOtros7,3 por cientoPop7,1 por cientoReligiosa5,5 por cientoInfantil2,9 por cientoJazz2,0 por cientoClásica1,9 percentOldies1.1 percentSoundtracks0.8 percentNew Age0.3 percent
[fuente:RIAA]

Mientras tanto, otros subgéneros como el rap progresivo, el bajo de Miami, el rebote de Nueva Orleans, la música instantánea, el rap-metal (o rapcore) y el crunk aparecieron en escena. Muchos de estos procedían no de la costa este del norte o de la costa oeste, sino del sur de los Estados Unidos. Quizás uno de los primeros grupos del sur en obtener elogios de la corriente principal sea 2 Live Crew (piense en el exitoso sencillo "Me So Horny"). Algunos otros artistas sureños incluyen:Geto Boys, Arrested Development, OutKast, David Banner, Ludacris, Mystikal, TLC, Timbaland, Lil John and the East Side Boyz y Missy Elliot.

Hoy en día, la música hip-hop sigue siendo fuerte. Varios artistas que se establecieron en los años 80 y 90 siguen siendo prolíficos y venden CD y sencillos junto con artistas que aparecieron en este siglo, como Eminem, 50 Cent, Busta Rhymes, Juelz Santana, Akon y Nelly.

Y el mensaje de la música podría estar cambiando nuevamente, o al menos expandiéndose para incluir más que materialismo, violencia y la cosificación de las mujeres. Darryl McDaniels (antes de Run-D.M.C.) dijo esto en una entrevista de TIME:

Parece que la última década el hip-hop se ha centrado principalmente en fiestas, armas y mujeres. Eso está bien si estás en un club, pero desde las 9:00 am hasta que me fui a la cama por la noche, la música no tenía nada que decirme. Así que escuché rock clásico.

Kanye West lo sacó de su ensoñación rockera con la canción "Jesus Walks". Al escuchar la canción por primera vez, McDaniels dijo:"Pensé:'¡Esta canción trata de todo! ¡Esto se siente vivo!" [fuente:Tyrangiel].

A continuación, veremos cómo el hip-hop ha inspirado el movimiento.

Baile hip-hop

Jemal Countess/WireImage
Sr. Freeze of the Rock Steady Crew en el escenario en la celebración del 25 aniversario de Wild Style en Rumsey Field en Central Park el 29 de julio de 2007 en la ciudad de Nueva York

Dependiendo de la edad que tengas, cuando alguien dice "baile hip-hop", podrías imaginarte el boogaloo, el bloqueo, el estallido, el estilo libre, el uprocking, el piso o el downrocking, el grind, el corredor, el gangsta walking, el krumping, el Harlem shake. o sopa de pollo con fideos. Y, por supuesto, podrías pensar en romper , también llamado breakdance.

Algunos de los movimientos más memorables del breakdance incluyen giros de cabeza, giros de manos, giros de espalda, el molino de viento (el rompedor gira sobre la parte superior de su cuerpo con las piernas girando sobre él como las aspas de un molino de viento), el gusano y el suicidio (una voltereta hacia atrás de pie que termina con el bailarín boca arriba o boca abajo). Si bien podría decirse que no es la primera forma de baile hip-hop, obtuvo mucha atención de los medios al comienzo del movimiento hip-hop.

B-boys y B-girls
Según Kool Herc, un b-boy no es solo un bailarín, puede ser cualquiera con esa actitud de "Yo, estoy listo para conquistar a alguien". Hoy en día, los términos b-boys y b-girls se refieren a hábiles bailarines de hip-hop.

Para entender cómo surgió el rompimiento, tienes que hacer un poco de trabajo preliminar. Al igual que con la música que inspiró el baile, la historia del break comienza con la trata de esclavos. Los esclavos llevaron una mezcla de tradiciones de muchos países de África occidental a América del Norte y del Sur. Varios elementos clave de la danza afroamericana aparecen en la danza popular actual, incluido el movimiento de todo el cuerpo, el movimiento orientado a la tierra, la improvisación y la pantomima [fuente:Kansas City Lindy Hop Society].

Una serie de estilos populares de baile afroamericano surgieron a mediados y finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Varios migraron de la comunidad afroamericana a la comunidad caucásica, incluidos:

The Cakewalk, baile en línea competitivo
El Charleston, que más tarde daría lugar a toda una era de baile swing
The Black Bottom, precursor del claqué, el jazz y el swing

Luego vino el Lindy Hop, seguido por el Jitterbug, el Savoy Swing y otros estilos de swing. Eventualmente, el funk y la música disco estaban de moda.

Todos estos estilos han influido en el baile hip-hop moderno, incluido el break. Pero también hubo otras influencias. La danza afrocaribeña fue una inspiración, al igual que el arte marcial brasileño Capoeira. Otras artes marciales también tuvieron un gran impacto. Las películas de kung fu fueron un gran éxito en los Estados Unidos en la década de 1970, por lo que no sorprende que los movimientos de Bruce Lee y Jackie Chan fueran emulados e integrados en algunos de los primeros movimientos de ruptura.

En una entrevista para The Source, Afrika Bambaataa sugiere que el breakdance comenzó entre las pandillas callejeras con un baile llamado "Get on the Good Foot" de James Brown. En la entrevista, Bambaataa, Kool Herc y Grandmaster Flash también hablan sobre cómo los bailarines comenzaron a hacer apuestas entre ellos sobre la habilidad. Y, aunque el estilo de baile tuvo altibajos durante la década de 1970, varios equipos, como Rock Steady Crew y New York City Breakers, continuaron e incluso lo llevaron al siguiente nivel, incorporando muchos de los movimientos altamente acrobáticos. movimientos que ocuparían un lugar central en la década de 1980 [fuente:George].

Breakdance en los 80

Matthew Simmons/Getty Images
Bailarines de Krump del documental "Rize" posan con Tommy the Clown entre bastidores en la fiesta de lanzamiento de la gira "Rock This Way" el 29 de junio de 2005 en Hollywood, California.

A mediados de la década de 1980, el rompimiento estaba en todas partes. Las películas "Wild Style", "Style Wars", "Breakin'", "Beat Street" y "Flashdance" incluyeron break. Durante los Juegos Olímpicos de verano de 1984, el rompimiento marcó la actuación de Lionel Richie. Michael Jackson trajo el moonwalking (conocido como reincidencia entre los bailarines que lo inventaron) a las masas. Los anunciantes también aprovecharon la moda del baile:todo, desde los restaurantes de comida rápida hasta las líneas de ropa, utilizaban el rompimiento como telón de fondo de los anuncios.

Rock Steady Crew
Establecido en el Bronx en 1977 por Jimmy D y Jojo, el Rock Steady Crew tiene una historia de 30 años dentro de la escena b-boy. Durante la década de 1980, el equipo actuó en una variedad de lugares en los Estados Unidos y en el extranjero. Los destacados miembros Crazy Legs, Frosty Freeze y Ken Swift fueron fundamentales en la promoción de Rock Steady Crew a la aclamación internacional.

Pronto, se convirtió en algo más que una moda de baile; era una mercancía. Si bien algunos bailarines estaban ganando dinero, no eran ellos los que se estaban haciendo ricos. La gente con mentalidad empresarial saltó a la palestra con líneas de ropa de hip-hop, guías, videojuegos, rodilleras, alfombras de baile especiales y otros artículos relacionados con la ruptura. Según un artículo de la revista TIME de 1984, Wrangler estaba listo para lanzar una colección llamada "Wrapid Transit", y Van Doren Rubber estaba sacando una versión especial de su zapato de lucha Vans diseñado especialmente para romper [fuente:Koepp].

El frenesí del rompimiento comenzó a amainar a fines de la década de 1980. Si bien había desaparecido de la corriente principal de Estados Unidos, no se había ido por completo. Otros bailes de hip-hop pasaron a primer plano y retrocedieron nuevamente. Y luego, entre mediados y fines de la década de 1990, hubo un resurgimiento de la popularidad del break en los Estados Unidos, y se ha mantenido a la vista desde entonces. Sin embargo, ahora es parte de una mezcla más grande de baile hip-hop. Mientras que algunos practicantes se mantienen fieles al estilo de la vieja escuela, muchos incorporan otros estilos del pasado y del presente, como popping, lock, funk, house, freestyle y más.

Uno de los bailes de hip-hop más nuevos es el krumping. . Mencionado más de unas pocas veces en la tercera temporada del exitoso programa de televisión "So You Think You Can Dance", el krumping combina el break, el clown, la danza moderna e incluso el tap. Si desea ver los movimientos de primera mano, puede ver "Rize", el "documental musical" de David LaChapelle.

De la misma manera que la música hip-hop inspiró el baile hip-hop, los estilos de baile hip-hop han tenido un impacto en otro elemento:la moda hip-hop. Siga leyendo para descubrir por qué los tirantes no eran solo para Robin Williams en la década de 1970 y quién lucía Kangols antes que Samuel L. Jackson.

Moda hip-hop

Karl Prouse/Catwalking/Getty Images
Una modelo luciendo una parrilla camina por la pasarela en un desfile de modas de Baby Phat en la ciudad de Nueva York.

La moda es voluble:los estilos van, vienen y vuelven en un abrir y cerrar de ojos. La moda hip-hop no es una excepción. Al principio, los DJ eran los líderes del estilo hip-hop. Muchos se inspiraron en la moda de los estilos disco que los rodeaban, mientras que otros desarrollaron sus propios estilos. A medida que el grafiti y el break se unían a la música para crear los comienzos de un movimiento cultural, los ojos comenzaron a centrarse en los MC y los breakers.

Al principio, la mayoría de los rompedores se vestían pensando en la comodidad y la practicidad. Los pantalones holgados (a veces con tirantes), zapatillas cómodas (con los cordones en su mayoría desabrochados) y camisetas coloridas (para combinar con otros miembros del equipo de un bailarín) eran estándar en la costa este. Mientras tanto, los atuendos de inspiración militar con pantalones holgados (de nuevo, a veces con tirantes) y botas con cordones eran populares entre algunos bailarines de la costa oeste.

Cuando Run-D.M.C. llegó a la escena, también lo hizo una apariencia que, al menos en parte, sería emulada durante años:chaquetas y pantalones de cuero negro, sombreros negros o sombreros Kangol, cadenas grandes y gruesas y, por supuesto, Adidas. Con el tiempo, estos "trajes" de cuero dieron paso a los chándales de nailon y algodón, todavía adornados con joyas pesadas. El conjunto a menudo se remataba con un Kangol o una gorra de béisbol y se remataba con un par de zapatos deportivos de diseñador (Adidas dio paso a Nike). La ropa de inspiración africana también disfrutó de una oleada de popularidad. La tela kente de Ghana apareció en casi todo tipo de ropa, y el rojo, el amarillo, el negro y el verde fueron los colores de moda. Los sombreros, e incluso conjuntos completos, se usaban al revés (¿recuerdas el video "Jump" de Kriss Kross?). Las camisetas de baloncesto se usaban sobre camisetas con jeans tan holgados que se acumulaban en un charco de tela detenido solo por la parte superior abierta y desatada de una bota Timberland o Lugz.

El amor (y la vida) es extraño
En un género dirigido, producido, escrito y cantado principalmente por hombres, es sorprendente descubrir que una mujer estuvo detrás de la primera grabación exitosa de rap. Sylvia Robinson fue cofundadora y copropietaria de Sugar Hill Records. Robinson tuvo su propio éxito a la edad de 14 años. En 1957, "Love is Strange" de Mickey &Sylvia obtuvo el número 1 en las listas de R&B y llegó al número 11 en las listas de éxitos. Si tiene problemas para evocar esta melodía, un poco de "Dirty Dancing" podría ayudar. ¿Recuerdas la escena en la que Jennifer Gray y Patrick Swayze imitan la letra de la canción que suena de fondo? Ese es el éxito de Mickey y Sylvia.

Cuando la década de 1990 llegó a su fin, la talla extragrande seguía siendo la talla elegida, ya fuera de mezclilla o pantalones tipo cargo. El estilo gangsta de usar pantalones tan bajos que muestra ropa interior persiste hoy. Según se informa, la práctica proviene de las prisiones, donde los cinturones no están permitidos debido a usos potencialmente letales [fuente:CNN]. Los sombreros de Kangol permanecen, al igual que las gorras de béisbol. Junto a ellos está el do-rag, según se informa, otra influencia de la ropa de prisión.

Gangsta-inspired clothing wasn't the only 90s hip-hop staple. Designer labels, such as Tommy Hilfiger and Ralph Lauren, filled closets from the East to the West Coast. The label-heavy trend remains today. Some of the more prominent brands on the shopping list include:Baby Phat, Carhartt, Converse, Dickies, Ecko and Ecko Red, Fubu, G-unit, Lacoste, Phat Farm, Reebok, Rocawear, Sean John, and Von Dutch.

Some of these didn't originate in the fashion industry -- they started within the hip-hop industry. Probably the oldest label is Russell Simmons' Phat Farm. The original hip-hop mogul's holdings are reportedly worth close to $325 million [source:Katel]. Jay-Z sold Rocawear for $204 million and purchased another clothing line, Artful Dodger, for $15 million [source:Brown].

Clothing isn't the only big business associated with hip-hop. Accessories -- particularly jewelry -- bring in the Benjamins, too. Long before the word "bling-bling" ("bling" for short) was coined, Kurtis Blow gave gold a good name by donning several chains, some with medallions, at once. Run-D.M.C. and others took it a step further and beefed up the gauge of the gold, wearing incredibly thick chains that resembled actual rope. As time went on, jewelry became more elaborate, and gold gave way to platinum -- of the iced-out variety, encrusted with diamonds.

For those so inclined (not all hip-hoppers adorn themselves), there's jewelry for almost every body part. Multiple-finger rings can double as a set of super-expensive, not-so-brass knuckles. Belly chains can complement a navel ring. Even teeth can go gold or platinum. While some early hip-hop artists went in for simple gold caps, today's stars can have extra sparkle and shine with a grill.

From graffiti to grills, hip-hop is one of the most influential cultural movements ever to transpire in the United States -- and its impact isn't confined to one continent. Next, we'll take a look at how hip-hop has spread.

Globalization of Hip-hop

China Photos/Getty Images
A Chinese girl drinks water after finishing graffiti on a wall during the Chengdu Hip Hop Culture Festival.

A little international travel will quickly show you that hip-hop has gone global. From Brazil to England to France to Japan to India to South Africa, young (and some old) people are finding a voice, a sense of style and even a sense of self in hip-hop. While it might appear as though people have shallowly appropriated the style and sounds and aren't truly feeling the movement, this isn't necessarily so. Sure, there are those -- what some Americans would call imitators or wannabees -- who are merely moving through the elements of hip-hop on their way to the next Western pop culture import, but others are integrating the movement into their own local situation.

In an article titled "Japanese Hip-Hop and the Globalization of Popular Culture," Ian Condry mentions how strange it can be to fly from New York to Tokyo and find teens decked out in the same hip-hop style as those he just saw in the United States. But he points out that, while everything seems the same, it's not. The borrowed hip-hop culture is imbued with local cultural dynamics. The local b-boys and b-girls have added their regional flavor to the mix [source:Condry].

In Italy, where hip-hop culture and rap music have had a strong and growing following for more than two decades, rappers rhyme in their local dialects. According to a New York Times article, "Nearly 50 percent of all Italians still speak in dialect, at least within the family, and the musicality of most dialects adapted well to the rhyme and cadence of rap." The subject of Italian rap music, while more recently is concerned mostly with love and other conventional topics, has included everything from the Mafia to government corruption to homelessness to drug addiction -- in Italy, not New York [source:Povoledo].

Musical movements have made their way across geographical divides before, but hip-hop is more than just music -- it's a way of life that encompasses physical movement and personal expression. As S. Craig Watkins writes, "Yes, hip-hop has been an astonishing moneymaker, but it has been an equally astonishing source of youth expression and empowerment" [source:Watkins].

Hip-hop's wide reach is also tied to the commercialization of the movement. Watkins points out that record companies, fashion labels, sports franchises, and even food and beverage companies are all selling their products by advertising the hip-hop lifestyle, and how their shoes, soda or sandwiches fit into it.

Another key element that's helping spread the hip-hop word is the Internet. At no other point in history have people living in such disparate circumstances and in separate points of the world been able to come together to communicate like they can today. One Web site, Global Grind, aims to be the "ultimate online destination for the hip-hop community" [source:Global Grind]. Navarrow Wright's baby is backed by some heavy hitters, one from hip-hop and one from the online community:Russell Simmons' Island Def Jam Music Group and Facebook investor Accel Ventures [source:Holahan].

Global Grind isn't the only hip-hop hotspot on the information superhighway. Other hip-hop-minded social networking sites include BlockSavvy and DanceJam. BlockSavvy is like MySpace. DanceJam, which is co-founded by MC Hammer, goes a step beyond social networking and includes slow-motion dance tutorials. The site plans to launch regional features, which could have a huge impact on dance styles around the globe. Reportedly, the site's founders hope that eventually its users will "be able to look up any major city on DanceJam and learn the hottest moves in the area before booking a trip" [source:Van Buskirk]. Visiting the site could give a completely new meaning to the old catchphrase, "It's Hammer time!"

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