Estrella de muchas películas mudas, Mary Pickford hizo su debut en el cine sonoro en "Coquette" de 1929. "¡No necesitábamos diálogo, teníamos caras!" En la película de 1950 "Sunset Boulevard", Norma Desmond, una estrella del cine mudo interpretada por Gloria Swanson, se desvanece en la oscuridad con el medio que la hizo famosa. Vive en un mundo de fantasía, tramando su regreso imposible y organizando fiestas de cartas pobladas por otras ex estrellas como Buster Keaton y Anna Nilsson.
Desmond y sus amigos son las víctimas de una década decisiva en la historia del cine. En muchos sentidos, "Sunset Boulevard" es un homenaje a la década de 1920, un período que vio la transición del cine mudo al "talkie", el desarrollo del cine épico y el nacimiento de los westerns y otros géneros legendarios.
En Hollywood, esta fue la era de Douglas Fairbanks, Mary Pickford, Charlie Chaplin y Rudolph Valentino. Cecil B. DeMille gobernó la taquilla y Greta Garbo gobernó la pantalla. En la Unión Soviética, los formalistas rusos explotaron una breve ventana de libertad creativa para revolucionar las técnicas cinematográficas, mientras que los artistas visuales de todo el mundo, desde Japón hasta Francia, buscaban nuevas formas de convertir el medio en una fuerza cultural.
Contenido- California es más fácil
- Cómo montar
- Las estrellas caen, las estrellas se levantan
- ¡La integración vertical es rentable!
- La moralidad importa
- El sonido de los musicales
- El diálogo necesita escritores
- Las películas habladas no acabarán con las películas
- Los documentales son poderosos
- El cine puede ser arte
10:California es más fácil
Se perdieron vidas, dinero y tiempo en el plató italiano de "Ben-Hur". "Ben-Hur" Fue una epopeya en todos los sentidos posibles. El nuevo estudio de Metro Goldwyn Mayer (MGM) quería dejar su huella y decidió hacerlo con una versión cinematográfica de una obra de teatro de gran éxito que era en sí misma una adaptación de una novela superventas. Ambientada en la época de Cristo, "Ben-Hur" es la historia de un joven judío adinerado que es esclavizado por los romanos, se cruza con Jesús y se convierte en un auriga estrella del rock.
Iba a ser una producción grande y lujosa desde el principio, pero para subir la apuesta, MGM decidió filmar toda la película en locaciones de Italia. No contaron con el nuevo líder del país, Benito Mussolini, quien estaba de un humor virulentamente antiestadounidense cuando comenzó la producción. Las disputas laborales, posiblemente fomentadas por el propio Mussolini, retrasaron considerablemente el rodaje. En un momento, el director Fred Niblo descubrió que algunos de los extras italianos planeaban aportar una autenticidad no deseada a una escena de batalla, habiéndose organizado en campos pro y antifascistas y afilando las espadas de utilería.
Varios extras casi se ahogan durante una escena del hundimiento de un barco, un doble murió mientras filmaba la legendaria carrera de carros e incluso la estrella, Ramón Navarro, escapó de la muerte por un pelo. Sorprendentemente, más de cien caballos también perdieron la vida por esa causa, que fue poblada por miles de extras y filmada por 42 cámaras.
Aunque la película fue un éxito de taquilla, perdió dinero debido a los sobrecostos. Durante más de dos décadas después del lanzamiento de "Ben-Hur", Hollywood se quedó en casa, prefiriendo construir escenarios masivos (¡incluso el Vaticano!) en sus propios estudios en lugar de correr el riesgo de espadas extranjeras [fuente:Hagopian].
9:Cómo montar
El cineasta Sergei Eisenstein desarrolló el montaje como una forma de crear escenas más poderosas. Ciento cincuenta y cinco disparos en cinco minutos. Es difícil exagerar el impacto de la famosa secuencia "Odessa Steps" en la innovadora obra de Sergei Eisenstein de 1925, "Battleship Potemkin". Concebida como una película de propaganda soviética basada en un hecho histórico, la historia comienza con el motín de la tripulación del buque de guerra homónimo de la Armada rusa. Navegando hacia el puerto de Odessa, la tripulación desembarca donde los ciudadanos locales se reúnen para apoyarlos. Los soldados zaristas masacran a la asamblea en las escaleras de Odessa. Entre las imágenes más famosas de la escena, Eisenstein intercala una toma de un cochecito de bebé bajando los escalones (bebé a bordo) con imágenes desgarradoras de la carnicería que tiene lugar a su alrededor.
La secuencia "Odessa Steps" se considera la ilustración más exitosa de Eisenstein de su teoría del montaje, que equivale a esto:la suma de las partes es mayor que el todo. Dos o más imágenes estrechamente yuxtapuestas a través de la edición podrían, según la teoría de Eisenstein, crear una impresión más allá de la que representan las imágenes mismas. Él estaba en lo correcto. Cuando se trata de eso, todo, desde "Citizen Kane" hasta "Gangnam Style", es impensable sin montaje. Gracias, Sergei [fuente:Johnson].
8:Las estrellas caen, las estrellas se levantan
En la película "Sunset Boulevard", Gloria Swanson interpretó a Norma Desmond, una actriz fracasada que lamentó el cambio desde el cine mudo hasta el sonoro. "Tomaron los ídolos y los aplastaron, los Fairbanks, los Gilbert, los Valentino. ¿Y a quién tenemos ahora? ¡Algunos don nadies!" Es imposible no volver a citar a "Sunset Boulevard". La declaración de Norma Desmond se refiere a la leyenda de que las estrellas de la era del cine mudo cayeron precipitadamente de un estatus casi divino a pasados olvidados que acechan en sus extravagantes mansiones.
Y es cierto que las cualidades que hacían de uno una estrella muda rara vez se traducían al cine sonoro. Actuar en el cine mudo era realmente una forma de pantomima y requería tanta expresividad física como fuera posible. Los actores se movían libremente por el set con el director gritando órdenes mientras avanzaba la película. Ahora, de repente, el set estaba en silencio y los gestos estaban restringidos durante las tomas. Los actores cinéticos como Douglas Fairbanks no podían lanzarse por el plató, sino que tenían que permanecer prácticamente inmóviles mientras hablaban por un micrófono oculto.
En algunos casos, los acentos extranjeros o de la clase trabajadora se interpusieron, pero más a menudo la dificultad residía en el nuevo modo de desempeño exigido.
A medida que muchos de la vieja guardia optaron por retirarse o se les mostró la puerta, nuevos actos del mundo del teatro y el vodevil llenaron sus zapatos. Artistas antes desconocidos como James Cagney y Barbara Stanwyck saltaron a la fama en poco tiempo [fuente:Crafton].
7:¡La integración vertical es rentable!
Paramount era uno de los "cinco grandes" estudios que dependían de la integración vertical para generar ingresos. En 1948, el gobierno de los Estados Unidos llevó a Hollywood a los tribunales. Para ser precisos, llevó a los tribunales a los "cinco grandes" estudios bajo las leyes antimonopolio de Sherman, alegando que los gigantes del cine estaban operando monopolios ilegales. El gobierno ganó el caso, señalando el principio del fin del llamado "sistema de estudio" de la Edad de Oro de Hollywood.
Todo comenzó en la década de 1920 cuando un pequeño grupo de poderosos estudios comenzó un proceso que a los economistas les gusta llamar "integración vertical" [fuente:Hansen]. Esta es una forma elegante de decir que controlaban el negocio del cine desde el guión hasta el asiento del teatro. Uno por uno, los productores-distribuidores comenzaron a comprar salas de cine y, en 1929, las cinco grandes (Paramount, Fox, MGM, RKO y Warner Bros.) que gobernarían Hollywood durante las próximas dos décadas se establecieron e integraron verticalmente de arriba a abajo.
Cuando estos cinco se dedicaron a hacer una película, usaron a sus escritores internos para elaborar guiones para que sus directores internos pusieran a sus actores internos en una película que sus editores internos cortarían en características que luego reproducirían. en los cines que poseían en todo el país.
La integración vertical fue enormemente rentable para las grandes empresas, y aunque decenas de películas clásicas salieron del sistema de estudio, también hubo mucha escoria. Parte del problema era que los estudios utilizaban una práctica llamada "reserva en bloque", por la que un cine se veía obligado a comprar un juego de cinco películas, una de ellas buena y el resto no. Era una revista System Life llamada "mediocridad de un millón de dólares" en un artículo que celebraba el final del sistema de estudio [fuente:Hodgins].
6:La moralidad importa
Las cláusulas de moralidad modernas en los contratos de las estrellas surgieron debido al trágico escándalo que rodeó a Roscoe "Fatty "Las fiestas de Arbuckle. Era 1921 y Fatty Arbuckle estaba en lo más alto de su éxito como habitual en la serie Keystone Cops. Era tan popular que Paramount firmó un contrato de tres años y $3 millones con él. Unos meses después, su carrera estaba en ruinas. En una fiesta que organizó, una mujer joven fue encontrada muerta en el baño y Arbuckle fue acusado de violación y asesinato. Después de dos juicios nulos, Arbuckle finalmente fue declarado no culpable, aunque fue multado con $500 por servir alcohol durante su fiesta de la época de la Prohibición.
No fue solo Arbuckle quien se vio afectado por el escándalo; la opinión pública se volvió contra el negocio del cine en general.
Al ver el fracaso de Paramount, Universal Studios decidió una solución radical a los posibles escándalos. Introdujo una "cláusula de moralidad" en sus contratos. La cláusula decía, en parte, "El actor (actriz) acepta comportarse con el debido respeto a las convenciones y la moral públicas... En caso de que el actor (actriz) viole cualquier término o disposición de este párrafo, entonces Universal Film Manufacturing Company tiene el derecho de cancelar y anular este contrato".
Las variaciones de esa cláusula han estado con nosotros desde entonces. Cuando se entera de que las empresas rescinden contratos con Kate Moss por haber sido atrapada usando cocaína, o Mel Gibson por su diatriba antisemita, todo se remonta a Roscoe "Fatty" Arbuckle [fuente:Pinguelo].
5:El sonido de los musicales
"The Jazz Singer" de 1927 fue una de las primeras películas sonoras y uno de los primeros musicales en pantalla. Los ames o los odies, los musicales forman un género vital del cine, y es difícil creer que hubo un tiempo en que existió el cine sin ellos. Pero no hace falta decir que el silencio de las películas mudas difícilmente proporcionó un término medio para esos espectáculos de canto y baile descarados que dominarían la taquilla de mediados de siglo.
Los cineastas habían estado experimentando con el sonido durante años antes de que Warner finalmente presentara lo que generalmente se reconoce como una de las primeras películas sonoras en 1927. "The Jazz Singer" es la historia del hijo de un cantor judío que anhela ser un intérprete de jazz en lugar de seguir en la tradición familiar. Protagonizada por la sensación de Broadway Al Jolson, fue un gran éxito y demostró a los escépticos que las "películas sonoras" eran económicamente viables. También resultó ser un musical.
Fue el nacimiento de un género, y Hollywood se unió rápidamente. Apenas dos años después, los estudios estrenaban "Broadway Melody", "The Hollywood Revue", "The Cocoanuts" y "On with the Show". En cuanto a "The Jazz Singer", si bien continúa ocupando una posición histórica importante en la historia del cine, el hecho de que las escenas más significativas muestren a Jolson con la cara pintada de negro tiende a hacer que el público moderno se retuerza [fuente:Gioia].
4:El diálogo necesita escritores
La desaparición de las películas mudas significó que los escritores de diálogos estaban en demanda en Hollywood. Las películas sonoras necesitan diálogo, y el diálogo requiere escritores. Hollywood hizo sonar su canto de sirena y los escritores de la costa este se fueron al oeste. En 1926 el célebre periodista Herman Mankiewicz llegó a Tinseltown y se consagró como uno de los guionistas más importantes del siglo XX. En un telegrama ahora famoso, reclutó a su amigo Ben Hecht para que se uniera a él, afirmando que "aquí se van a agarrar millones y tu única competencia son los idiotas. No dejes que esto se corra".
Si bien a algunos escritores les fue bien, los ejecutivos de los estudios comúnmente veían a los escritores como hackers y les daban poco reconocimiento e incluso menos paga. En 1920 se formó un club informal de escritores que se autodenominó Screenwriters Guild. The Guild eventualmente se convertiría en un sindicato influyente, que hoy existe como el poderoso Writers Guild of America.
En cuanto a "Manky", sí ganó mucho dinero, escribiendo más de 40 guiones, incluida su famosa colaboración con Orson Wells en "Citizen Kane". Pero en el obituario que escribió para Mankiewicz, Hecht lamentó el éxito de su amigo, creyendo que lo había llevado a una muerte prematura [fuente:Rothman].
3:Las películas habladas no acabarán con las películas
La tecnología de micrófonos tardó un tiempo en ponerse al día. Al principio, los micrófonos estacionarios de la época significaban que las estrellas anteriormente energéticas con frecuencia tenían que permanecer inmóviles cerca del micrófono. En su libro de 1928, "Heráclito o el futuro de las películas", el escritor Ernest Betts se desesperó. Creía que el advenimiento de las películas sonoras señalaba "el acto de autodestrucción más espectacular que ha salido de Hollywood y viola la función propia de la película desde su origen. El alma de la película, su silencio elocuente y vital, se destruye. El la película ahora regresa al circo de donde vino".
Betts no estaba solo. Críticos desde Paul Rotha hasta Robert Herring estaban convencidos de que el cine sonoro era un veneno cinematográfico. En la década de 1920, el cine mudo había alcanzado alturas expresivas con películas como "Sunrise" de Murnau y "Passion of Joan of Arc" de Dreyer. Introducir el sonido, argumentaron los escépticos, mancillaría la pureza de la forma de arte silenciosa.
Estéticamente hablando, tenían razón:debido a las limitaciones de la nueva tecnología, las primeras películas sonoras rara vez se consideran obras de arte cinematográfico. Debido a que los micrófonos estaban fijos, las actuaciones eran de madera y el trabajo de cámara estático. Sin embargo, a medida que los cineastas se adaptaban, demostraron que los críticos estaban equivocados y crearon el cine a menudo extraordinario de la década de 1930.
Mientras tanto, es posible que las primeras películas sonoras no se hayan hecho para resistir el paso del tiempo, pero recaudaron dólares. A fines de la década de 1920, las ganancias de los principales estudios se dispararon. Warner, por ejemplo, pasó de ganar $2 millones en 1928 a $14 millones en 1929 [fuente:Gomery].
2:Los documentales son poderosos
Los hermanos Lumiere son considerados los primeros directores de fotografía. Las historias tradicionales de las películas documentales sugieren una especie de evolución natural de la forma de la siguiente manera:cuando los hermanos Lumière, que se encontraban entre los primeros directores de fotografía de la historia, comenzaron a filmar a los trabajadores que salían de su fábrica de fotografía de Lyon en la década de 1880, estaban dando los primeros pasos de bebé para documentar el mundo tal como existía a su alrededor. Luego, en 1922, Robert Flaherty agregó estilo narrativo cuando hizo el legendario "Nanook of the North", y así nació el cine documental.
Pero en un ensayo muy argumentado, el teórico del cine Bill Nichols argumenta que la forma documental realmente alcanzó la madurez en la década de 1920 porque era necesaria. Esta fue una era en la que las poblaciones de todo el mundo trabajaban arduamente para forjar identidades nacionales. Es bien sabido que los documentales dan la impresión de que simplemente están observando la realidad cuando, de hecho, también la están moldeando. Esta cualidad hizo del medio una herramienta invaluable de control estatal al afirmar ciertas narrativas y ortodoxias culturales. De la misma manera, hizo que los documentales fueran peligrosos. Si el medio pudiera seguir la línea del partido y afirmar una realidad deseable, también podría interrumpirla. Es por eso que, argumenta Nichols, el cine documental de la década de 1920 está estrechamente alineado con nuestro tema final:la vanguardia modernista [fuente:Nichols].
1:El cine puede ser arte
En 1929, el cineasta español Luis Buñuel colaboró con Salvador Dalí para crear "Un Chien Andalou", una impactante película surrealista. . Cuando la tecnología de revelado del cine se cruzó con el movimiento de vanguardia modernista, hubo resultados extraordinarios. Mientras constructivistas rusos como Sergei Eisenstein y Dziga Vertov experimentaban con técnicas cinematográficas con el pretexto de hacer películas de propaganda soviética, la vanguardia europea también comenzó a jugar salvajemente con el medio.
El poder de la imagen documental junto con las "yuxtaposiciones radicales de tiempo y espacio permitidas por el montaje" fueron factores irresistibles para artistas como Man Ray, Albert Kahn y Luis Bunuel [fuente:Nichols]. Quizás la obra más famosa de ese período es "Un Chien Andalou ", una colaboración de 1929 entre Salvador Dalí y Luis Buñuel. Casi un siglo después, la película surrealista todavía tiene el poder de impactar. Una escena que involucra una navaja de afeitar y un globo ocular ha sido llamada "la secuencia de apertura más notoria en la historia del cine" [fuente :Hoberman].
Realizada solo un año después, su secuela sexualmente explícita, "L'Age d'Or ", fue tan incendiario que provocó disturbios cuando se proyectó y fue prohibido rápidamente por la policía de París. Al menos, la respuesta sirve como una demostración temprana del poder del cine como medio artístico [fuente:Hoberman].