Las danzas del teatro musical poseen una rica historia que abarca desde las bellas artes del ballet y la danza moderna hasta los ámbitos más populares como cabarets, vodevil y salas burlescas.
De los espectáculos de minstrels al padre del tap
Aunque hoy se considera una forma de arte controvertida y racista, los espectáculos de minstrels de finales del siglo XIX jugaron un rol clave en popularizar la danza en el escenario estadounidense. Actores blancos se pintaban la cara de negro y caricaturizaban a personas africanas con bailes de "zapatos duros", jigs irlandeses y clogs (zapatos de suela de madera). Estos artistas itinerantes desarrollaron pasos que se convirtieron en estándares del tap y el jazz, como el cakewalk y el buck-and-wing.
William Henry Lane, conocido como "Master Juba", fue un bailarín afroamericano que fusionó danzas africanas con jigs irlandeses, asombrando al público —incluido Charles Dickens—. Los críticos destacaban cómo "ataba sus piernas con nudos" y hacía "brillar sus pies" (Tyler Anbinder, Five Points, Nueva York: Free Press, 2001, p. 173). Aunque no se llamaba "tap" entonces, es reconocido como el padre de esta forma y un pilar de las danzas en el teatro musical.
Damas y caballeros en los bailes de teatro musical
Una compañía de ballet francesa varada en Nueva York inspiró a Thomas Wheatley a integrar sus habilidades en el melodrama The Black Crook (1866). Aunque el espectáculo era más burlesco que artístico, inauguró una tendencia duradera: mujeres en escena, a menudo con atuendos provocativos, ejecutando grandes números corales. Esto evolucionó hacia producciones como las Ziegfeld Follies, las Tiller Girls y las Rockettes del Radio City Music Hall.
George M. Cohan y la pareja Vernon e Irene Castle elevaron la presencia masculina y de parejas en las danzas. Cohan, forjado en el vodevil, brilló en Broadway con Little Johnny Jones (1904), que escribió, dirigió y protagonizó. Famoso por "Yankee Doodle Dandy", se definía como un "hombre de canción y baile", priorizando su destreza dancística.
Vernon e Irene Castle popularizaron el pas de deux —parejas bailando para avanzar la trama—, como en La viuda alegre con un vals romántico. Introdujeron bailes como el foxtrot, versiones simplificadas de ritmos afroamericanos creados por su coreógrafo James Reese Europe. Este pionero afroamericano les ayudó a fundar escuelas de baile y un club nocturno en Nueva York.
Balanchine y DeMille: la danza como elemento narrativo
Hasta 1936, las danzas eran meras interrupciones festivas. George Balanchine, coreógrafo de ballet, transformó esto en On Your Toes, con "Princess Zenobia Ballet" y "Slaughter on 10th Avenue Ballet" integrales a la trama de Rodgers. Su influencia clásica atrajo a más expertos al Broadway.
En Oklahoma! (1943) de Rodgers y Hammerstein, Agnes DeMille, otra bailarina clásica, hizo de la danza un pilar narrativo, popularizando el "ballet de los sueños" (como en Cantando bajo la lluvia). Así, la danza pasó de accesoria a protagonista en el teatro musical.
Hacia el siglo XXI
Coreógrafos como Bob Fosse, Gower Champion, Twyla Tharp y Jerome Robbins innovaron en Broadway y cine musical. Tras un bache en popularidad, éxitos como El Rey León y Mamma Mia!, junto a adaptaciones fílmicas, confirman un futuro radiante para las danzas teatrales, tan vibrante como las luces de Broadway.